“Eiffel Tower with Trees” and “Self-Portrait” by Robert Delaunay (Torre Eiffel con Árboles y Auto retrato)

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“Eiffel Tower with Trees” and “Self-Portrait” by Robert Delaunay

This French-born artist painted countless works featuring the Eiffel Tower as a central motif. This one is among my favorites. In this piece, the artist presents the tower seen through trees that partially block our view, concealing it in part. The painting includes Cubist elements —straight lines and the deconstruction of the tower. Delaunay is considered the first painter to combine vivid colors with Cubism, something that might be even more evident in another of his versions of the Eiffel Tower.

If you happen to be in New York, you can find it at the Solomon R. Guggenheim Museum on 5th Avenue. Don’t miss the beautiful views of Central Park right across the street. You can see it here.

The second painting in this post is Delaunay’s self-portrait, located at the Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou) in Paris. Take a moment to look at this work carefully and you’ll notice that the artist didn’t paint any lines or edges. The entire composition is defined by patches of color arranged to outline his facial features. The temperature of the colors defines the sense of space and depth.

“Torre Eiffel con Árboles” y “Autorretrato” de Robert Delaunay

Este artista de origen francés pintó innumerables cuadros con la Torre Eiffel como motivo. Este es uno de mis favoritos. En esta obra, el autor nos presenta la torre vista a través de árboles que se interponen en nuestro campo visual, ocultándola parcialmente. La pintura contiene elementos cubistas —líneas rectas, la deconstrucción de la torre—. Delaunay es considerado el primer pintor que combinó colores vivos con el cubismo, algo que quizás se aprecia aún mejor en otra de sus versiones de la Torre Eiffel.

Si están en Nueva York, pueden verla en el Solomon R. Guggenheim Museum, en la 5ª Avenida. No se pierdan las vistas del Central Park, justo frente al museo. Pueden verla aquí.

La segunda pintura de este post es el autorretrato de Delaunay, que se encuentra en el Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou) de París. Deténganse a observar esta obra con atención y notarán que el artista no pintó líneas ni bordes. Toda la composición está definida por manchas de color organizadas para delinear las facciones del autor. La temperatura de los colores define el espacio y la profundidad.

"The Fable of Arachne" or “The Spinners” by Diego Velázquez (Las Hilanderas)

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"The Fable of Arachne" or “The Spinners” by Diego Velázquez

This masterpiece by Velázquez, painted around 1650, depicts through an everyday scene a vivid reflection of the social and economic inequalities of the time. The spinners —skilled working women of humble origin— earn a meager living through hard labor. Their simple clothing and, in particular, the fact that they are barefoot, allude to the poverty in which they live.

The situation of the spinners contrasts sharply with the background scene, where noblewomen, dressed in lavish garments, admire a tapestry woven by the workers. The lady on the right looks on with interest as the spinners carry out their work.

What I find most fascinating about this painting is that Velázquez used the recreation of a Greek fable —that of Pallas and Arachne, from Book VI of Ovid’s Metamorphoses— to portray the actions of the spinners. In the fable, the goddess Pallas (Athena), depicted as the elderly woman in the painting, competes with Arachne to determine who is the more skillful weaver.

This painting is housed in Madrid, at the Museo del Prado.

“Las Hilanderas” de Diego Velázquez

Esta obra maestra de Velázquez presenta, a través de una escena cotidiana de alrededor de 1650, una clara imagen de las diferencias sociales y económicas de la época. Las hilanderas —trabajadoras especializadas, plebeyas— se ganan una vida mísera con gran esfuerzo. Sus ropas sencillas y, en particular, el hecho de que estén descalzas alude a la pobreza en la que viven.

La situación de las hilanderas contrasta con la escena del fondo, donde mujeres de la nobleza, vestidas con todo lujo, admiran un tapiz producido por las trabajadoras. La dama situada a la derecha observa con interés a las hilanderas en plena labor.

Lo interesante de esta obra, en mi opinión, es que Velázquez utilizó la recreación de una fábula griega —la de Palas y Aracne, del libro VI de Las Metamorfosis de Ovidio— para representar las acciones de las hilanderas. En dicha fábula, la diosa Palas (Atenea), representada como la anciana en el cuadro, compite con Aracne para ver quién es la mejor tejedora.

Esta obra se encuentra en Madrid, en el Museo del Prado.

“Deer in the Monastery Garden” by Franz Marc (Ciervo en el jardin del monasterio)

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“Deer in the Monastery Garden” by Franz Marc

Another masterpiece by Marc. Using a palette that blends the greens of the landscape with the light, flowers, and the animal itself, the painter creates a scene in which a deer merges seamlessly with its surroundings. The faint moon on the left side of the painting suggests a nocturnal setting. The deer’s posture —alert, startled— is typical of these animals in the wild.

If you happen to be in Munich, Germany, you can find it at the Städtische Galerie im Lenbachhaus. While you’re there, cross the street to Königsplatz, where, besides admiring the impressive neoclassical buildings, you’ll find museums dedicated to classical antiquity and Greco-Roman sculpture.

“Ciervo en el jardín del monasterio” de Franz Marc

Otra obra maestra de Marc. Haciendo uso de una escala de colores que fusiona el verde del entorno con la luz, las flores y el propio animal, el pintor presenta una escena en la que un ciervo se mimetiza con su medio ambiente. La luna, apenas visible a la izquierda de la pintura, sugiere que se trata de una escena nocturna. La pose del ciervo —alerta, sorprendido— es típica de estos animales en estado salvaje.

Si están por Múnich, Alemania, pueden verla en la Städtische Galerie im Lenbachhaus. Si visitan ese museo, crucen la calle y acérquense a Königsplatz, donde además de admirar imponentes edificios antiguos, encontrarán museos dedicados a la antigüedad clásica y a la escultura grecorromana.

“Dance II” and “Music” by Henri Matisse (Baile II y Música)

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“Dance II” and “Music” by Henri Matisse

These two works are complementary, representing two closely connected forms of cultural expression: music and dance. Originally commissioned by a Russian collector, “Dance II” depicts a scene in which the movement of the figures is rendered with a fluidity that only a master like Matisse could achieve. The circle gives the impression of a round dance where the dancers move at such speed that two of them momentarily lose contact.

“Music” is somewhat more mysterious. Two figures play wind instruments while three others gaze directly at the viewer. In my opinion, these three seated figures are the same dancers from “Dance II”, waiting for their turn to join the dance. Both paintings were originally displayed together in the same room of the collector’s home.

When you visit St. Petersburg, Russia, be sure to stop by the Hermitage Museum, where these works are exhibited. And if you’re in New York, you can find another version of “Dance” at the Museum of Modern Art (MoMA), featuring a different color palette.

“El Baile II” y “La Música” de Henri Matisse

Estas dos obras son complementarias y representan dos expresiones culturales íntimamente relacionadas: la música y la danza. Originalmente pintadas por encargo de un coleccionista ruso, “El Baile II” nos presenta una escena en la que el movimiento de los sujetos se resuelve con una soltura que solo un maestro como Matisse podía lograr. El círculo transmite la sensación de una ronda en la que los bailarines se mueven a gran velocidad, hasta el punto de que dos de ellos pierden contacto momentáneamente.

“La Música” es una obra algo más enigmática. Dos figuras tocan instrumentos de viento mientras otras tres miran al espectador. En mi opinión, estos tres personajes sentados son los mismos bailarines de “El Baile II”, que esperan su turno para unirse a la danza. Ambas pinturas se encontraban originalmente en la misma habitación del coleccionista que las encargó.

Si visitan San Petersburgo, Rusia, no dejen de recorrer el Museo Hermitage, donde se encuentran estas obras. Y si están en Nueva York, en el Museum of Modern Art (MoMA) podrán ver otra versión de “El Baile”, con una escala de color diferente.

Guernica by Pablo Picasso

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“Guernica” by Pablo Picasso

This legendary work was painted to commemorate the bombing of the city of Guernica by General Franco’s forces during the Spanish Civil War. Despite the complexity of its composition, the story it tells is simple: an overwhelming, unreachable force destroys everything in its path —civilians and soldiers alike. Yet, for the rest of the world, or for the universal conscience, the event does not go unnoticed.

The central elements of this monochromatic painting, from left to right, include: the woman —perhaps a symbol of the homeland— holding her dead child in her arms; the bull, powerful and unstoppable; the fallen rider, defeated, with a broken sword beneath his wounded horse, both exposed to a mix of light and an omnipresent eye. Finally, through a doorway, we see the long arm of justice bringing illumination, and the astonished, witnessing face of humanity —the woman’s face. There is also a defeated man, half kneeling, crawling toward the light/eye, perhaps pleading for mercy, and another perishing amid the consuming flames.

If you visit Madrid, you’ll find this monumental painting at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Its sheer scale and emotional power are truly breathtaking.

“Guernica” de Pablo Picasso

Esta obra legendaria fue pintada para conmemorar el bombardeo de la ciudad de Guernica por las fuerzas del general Franco durante la Guerra Civil Española. A pesar de la complejidad de su composición, la historia que relata es sencilla: una fuerza descomunal, inalcanzable, arrasa con todo a su paso —civiles y militares por igual—. Sin embargo, para el resto del mundo, o para la conciencia universal, el suceso no pasa inadvertido.

Los elementos centrales de esta obra monocromática, de izquierda a derecha, incluyen: la mujer —¿la patria?— con su hijo muerto en brazos; el toro, símbolo de fuerza y poder; el jinete caído, derrotado, con la espada rota, bajo su caballo herido, ambos expuestos a una mezcla de luz y ojo omnipresente. Finalmente, a través de una puerta, aparece el largo brazo de la justicia que ilumina, y el rostro sorprendido, testigo, de la humanidad —el rostro de la mujer—. También se distingue un hombre derrotado, semi arrodillado, que se arrastra hacia la luz/ojo, tal vez pidiendo clemencia, y otro pereciendo bajo las llamas que lo consumen.

Si están en Madrid, pueden contemplar esta obra monumental en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su tamaño y fuerza expresiva los dejarán sin aliento.