The Medical Inspection by Henri de Toulouse-Lautrec - (El examen medico, Rue des Moulins)

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The Medical Inspection by Henri Toulouse-Lautrec

In the late 1800s, Toulouse-Lautrec scandalized Paris by portraying the people and everyday life of the neighborhoods where variety theaters, cabarets, and brothels thrived.

The Medical Inspection is shocking for the rawness of its subject. Two prostitutes await their turn as a third woman undergoes an examination to ensure she shows no visible signs of venereal disease. We can only speculate, but it is unlikely that the examiner is a doctor — most probably, she is the madam who runs the establishment.

If you’re in Detroit, you can see this work at the Detroit Institute of Arts. And if you’re visiting the area with children, don’t miss the Michigan Science Center, just around the corner.

El exámen medico, Rue des Moulins de Henri de Toulouse-Lautrec

A fines del siglo XIX, Toulouse-Lautrec escandalizó a París al retratar a los personajes y escenas cotidianas de los barrios donde prosperaban los teatros de variedades, los cabarets y los burdeles.

La inspección médica resulta impactante por la crudeza de la situación. Dos prostitutas esperan su turno mientras una tercera es examinada para comprobar que no presenta signos visibles de enfermedades venéreas. Solo podemos suponerlo, pero es poco probable que la persona que realiza la revisión sea un médico; lo más probable es que sea la madama que dirige el lugar.

Si estás en Detroit, puedes ver esta obra en el Instituto de Artes de Detroit (Detroit Institute of Arts). Y si visitas la zona con niños, no dejes de pasar por el Michigan Science Center, justo a la vuelta de la esquina.

The Sleeping Gypsy by Henri Rousseau - (La Gitana Durmiente)

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“The Sleeping Gypsy” by Henri Rousseau

It is not entirely clear what Rousseau intended to convey with this scene. In a letter, he described it as follows:

“A nomadic Black woman playing the mandolin rests beside her jug (a vase of water), overcome by fatigue and deep in sleep. A lion happens to pass by, catches her scent but does not devour her. There is a moonlight effect — very poetic.”

Beyond this cryptic description, I find the meaning in the tension between the latent threat and the fragile calm — the power dynamic embodied by the lion sniffing around the sleeping gypsy. The gypsy represents the artist: alone, with almost nothing — her instrument, her water, her clothing — while the force of authority looms nearby, watchful and menacing, inspecting her even in her most vulnerable state.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Museum of Modern Art (MoMA). While you’re there, don’t miss another of Rousseau’s masterpieces, The Dream.

“La gitana dormida”, de Henri Rousseau

No está del todo claro qué quiso expresar Rousseau con esta escena. En una carta, el propio artista la describió así:

“Una mujer negra nómada que toca la mandolina descansa junto a su cántaro (un jarrón con agua), vencida por el cansancio y sumida en un profundo sueño. Un león pasa por allí, percibe su olor pero no la devora. Hay un efecto de luz de luna, muy poético.”

Más allá de esta descripción enigmática, para mí el sentido de la obra reside en la tensión entre la calma y la amenaza latente, en la dinámica de poder representada por el león que olfatea a la gitana dormida. La gitana simboliza al artista: sola, con casi nada —su instrumento, su agua, su ropa—, mientras la fuerza de la autoridad la rodea, vigilante y amenazante, examinándola incluso en su momento de mayor vulnerabilidad.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta pintura en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Y si visitas ese museo, no dejes de ver otra obra del mismo autor: El sueño.

Circus Sideshow by Georges Seurat (“La Parada del Circo” o “El Show del Circo”)

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“Circus Sideshow” by Georges Seurat

One of the most remarkable aspects of this painting is the technique used in its creation: pointillism. Seurat was the leading proponent of this method, which involves applying small dots of pure color to the canvas. These dots, when viewed from a distance, visually blend to form shapes, textures, and tones — without the use of traditional lines or solid blocks of color.

What I find most captivating about this work is its composition. The scene unfolds at a nighttime fair, illuminated only by the limited artificial light available in the late 1800s. On the right stands the circus director; on the left, the musicians; and below, the audience — potential spectators of the show. The careful placement of each figure in relation to the others creates a perfectly balanced composition, the kind only a master like Seurat could achieve.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Metropolitan Museum of Art. While there, don’t miss another of Seurat’s works: Study for “A Sunday on La Grande Jatte.”

“Parada de circo”, de Georges Seurat

Uno de los aspectos más notables de esta pintura es la técnica utilizada en su ejecución: el puntillismo. Seurat fue el principal defensor de este método, que consiste en aplicar pequeños puntos de color puro sobre el lienzo. Estos puntos, al ser observados desde cierta distancia, se fusionan visualmente para formar figuras, texturas y tonos, sin recurrir a líneas o manchas sólidas de color.

Lo que más me cautiva de esta obra es su composición. La escena transcurre en una feria nocturna, iluminada solo por la escasa luz artificial disponible a fines del siglo XIX. A la derecha se encuentra el director del circo; a la izquierda, los músicos; y en la parte inferior, el público —posibles espectadores del espectáculo—. La disposición precisa de cada figura en relación con las demás crea una composición perfectamente equilibrada, de una armonía que solo un maestro como Seurat podía lograr.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta pintura en el Museo Metropolitano de Arte (Metropolitan Museum of Art). Y mientras estés allí, no dejes de observar otra obra del mismo autor: Estudio para “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte.”

Man on the Veranda by Alex Colville - (Hombre en el balcón (o terraza))

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“Man on the Veranda” by Alex Colville

This painting by the renowned Canadian artist presents a scene that suggests a reality far deeper than what first meets the eye. An elderly man, whose life largely belongs to the past, contemplates the vast serenity of the sea, accompanied by a cat.

He seems to be reminiscing, revisiting moments from his life. Perhaps he is assessing his existence, reflecting on what has been lived and lost. Maybe he is remembering those who are no longer present. In my view, the cat symbolizes the space once occupied by a companion who is no longer at his side.

Before the calm, endless blue of the sea, the old man quietly awaits his own end — with nothing left but memories and the faint presence of what once was.

Unfortunately, this painting is held in a private collection in Germany.

“Hombre en la veranda”, de Alex Colville

Esta pintura del renombrado artista canadiense nos muestra una escena que sugiere una realidad mucho más profunda de lo que parece a simple vista. Un hombre mayor, cuya vida pertenece en gran parte al pasado, contempla la vasta serenidad del mar, acompañado por un gato.

Parece estar recordando, reviviendo momentos de su vida. Tal vez está evaluando su existencia, reflexionando sobre lo vivido y lo perdido. Quizás recuerda a quienes ya no están presentes. En mi opinión, el gato simboliza el espacio que una vez ocupó un compañero que ya no está a su lado.

Frente a la calma y el azul infinito del mar, el anciano espera silenciosamente su propio final, con nada más que sus recuerdos y la débil presencia de lo que alguna vez fue.

Lamentablemente, esta pintura forma parte de una colección privada en Alemania.

The human condition by Rene Magritte - (La condición humana)

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“The Human Condition” by René Magritte

This painting presents an optical illusion: the image on the easel appears to blend seamlessly with the background. According to the artist, “the human condition” is such that the reality surrounding us is always constructed through our perception and interpretation. In this work, the real landscape and its depiction become equivalent.

In this particular landscape, there is no evident conflict between perception and reality; the subject is simple and requires little interpretation. Yet one can easily imagine the potential for multiple interpretations when confronted with a more complex object, situation, idea, or event.

This painting is part of the collection at the National Gallery in Washington, D.C., USA. If you visit, don’t miss Johannes Vermeer’s Woman Holding a Balance.

“La condición humana”, de René Magritte

Esta pintura introduce una ilusión óptica: la imagen sobre el caballete parece fundirse con el fondo. Según el artista, “la condición humana” implica que la realidad que nos rodea se construye siempre a partir de nuestra percepción e interpretación. En esta obra, el paisaje real y su representación se vuelven equivalentes.

En este paisaje en particular no existe un conflicto evidente entre percepción y realidad; el objeto es simple y no requiere interpretación. Sin embargo, es fácil imaginar el potencial de múltiples interpretaciones al enfrentarse a un objeto, situación, idea o acontecimiento más complejo.

Esta pintura forma parte de la colección de la National Gallery en Washington D.C., EE. UU. Si la visitas, no dejes de ver Mujer con balanza de Johannes Vermeer.

“Morning in the Village after a Snowstorm”, by Kazimir Malevich (Mañana en la aldea después de la tormenta de nieve)

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“Morning in the Village after a Snowstorm” by Kazimir Malevich

The Russian painter Kazimir Malevich captures a quintessential northern winter scene: peasants trudging along after a heavy snowfall. The colors and tones repeat themselves across the path, the façades of the houses, and the rooftops. The snow equalizes the landscape, erasing distinctions between the homes and their surroundings. Those who have witnessed a true snowstorm will find in this painting something deeply familiar.

If you’re in New York, you can see this work at the Solomon R. Guggenheim Museum. And while you’re there, cross the street into Central Park — at that point you’ll come across the Jacqueline Kennedy Onassis Reservoir, a beautiful feature of the park.

“Mañana en la aldea después de la tormenta de nieve”, de Kazimir Malévich

El pintor ruso Kazimir Malévich representa aquí una escena típica del invierno del norte: campesinos que avanzan con esfuerzo después de una gran nevada. Los colores y tonos se repiten en el camino, en las fachadas de las casas, en los techos. La nieve ecualiza el paisaje y borra las diferencias entre las viviendas y su entorno. Quienes han presenciado una nevada intensa reconocerán en este cuadro algo que les evoque esa experiencia.

Si están en Nueva York, pueden ver esta obra en el Museo Solomon R. Guggenheim. Y si visitan el museo, crucen la calle y entren en Central Park; a esa altura se encontrarán con el lago Jacqueline Kennedy Onassis, un hermoso lugar en el parque.

“Study for a Portrait on a Folding Bed” by Francis Bacon (Estudio para retrato en cama plegable)

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“Study for a Portrait on a Folding Bed” by Francis Bacon

This painting by Francis Bacon explores a recurring theme throughout much of his work: violence, animality, and the raw material nature of human existence.

The man lying on the folding bed is impossible to identify — his body is a mass of flesh and fluids, his posture alert, almost predatory. In my view, the subject depicted is one of the painter’s lovers. The work alludes to the earthy, instinctual side of sex — stripped of tenderness or emotion.

If you’re in London, you can find this painting at the Tate Gallery, alongside other works by Bacon and many more artists.

“Estudio para retrato en cama plegable”, de Francis Bacon

Esta pintura de Francis Bacon aborda un tema recurrente en gran parte de su obra: la violencia, lo animal y la materialidad de la existencia humana.

El hombre recostado en la cama plegable es irreconocible; su cuerpo es una masa de carne y fluidos, su actitud es alerta, casi acechante. En mi opinión, el sujeto representado es uno de los amantes del pintor. La obra alude a los aspectos más terrenales y animales del sexo, despojado de afecto o ternura.

Si están en Londres, pueden ver esta pintura en la Tate Gallery, junto con otras obras de Bacon y de muchos otros artistas.

"Attempting the Impossible" by Rene Magritte - (Intentando lo imposible)

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“Attempting the Impossible” by René Magritte

Post dedicated to Sofia

This painting by Magritte can be interpreted in multiple ways, which is typical of his work. In the image, a painter “creates” a woman in three-dimensional space — an idea that, when considered alongside the title, can be read as:

1. A man cannot make a woman conform to his idea of who she should be. By nature, a woman is indomitable, an authentic being, not an accessory shaped to suit a man’s desires. While this may seem obvious, even in the 21st century it is still common in many countries around the world for women to be relegated to shadows of their male counterparts.

2. A painter — even a highly skilled one — cannot fully capture in a painting the true nature, richness, and depth of femininity. A woman’s appearance reveals little about who she truly is, her personality, or her abilities. While this should be clear today, it is still poorly understood in many places. A striking example is countries where, even if women are allowed to work outside the home, employers can still require photographs along with resumes when applying for a job.

If you travel to Japan, you can see this painting at the Municipal Museum in the city of Toyota. You will also find notable works by Gustav Klimt, Edvard Munch, and others.

“Intentando lo imposible”, de René Magritte

Post dedicado a Sofía

Esta pintura de Magritte puede interpretarse de varias maneras, algo característico en la obra del artista. En la imagen, un pintor “crea” a una mujer en un espacio tridimensional, una idea que, al considerar el título, puede entenderse de la siguiente manera:

1. Un hombre no puede hacer que una mujer se ajuste a su idea de quién debería ser. Por su naturaleza, una mujer es indomable, un ser auténtico, no un accesorio moldeado para satisfacer los deseos de un hombre. Aunque esto pueda parecer obvio, incluso en el siglo XXI sigue siendo común en muchos países que las mujeres sean relegadas a la sombra de sus homólogos masculinos.

2. Un pintor —aunque sea sumamente talentoso— no puede capturar completamente en una pintura la verdadera esencia, riqueza y profundidad de la feminidad. La apariencia de una mujer dice muy poco sobre quién es realmente, su personalidad o sus capacidades. Aunque esto debería ser evidente hoy, aún se entiende mal en muchos lugares. Un ejemplo notable son aquellos países donde, aunque se permita a las mujeres trabajar fuera del hogar, los empleadores aún pueden solicitar fotografías junto con los currículos al postular a un empleo.

Si viajas a Japón, puedes ver esta pintura en el Museo Municipal de la ciudad de Toyota. Allí también encontrarás obras destacadas de Gustav Klimt, Edvard Munch y otros.

“Three Women” by Fernand Léger (Tres mujeres)

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“Three Women” by Fernand Léger

This painting presents us with the image of three women, their rounded forms distorted in the ways that the artist considered most striking. In my opinion, the fact that their faces are identical suggests that these three women are actually one. The woman on the right, with a flesh-colored body, represents the “real” woman—having tea, reading. The other two reclining figures are versions of herself in more erotic situations. The black feline on the right may also allude to this woman’s character.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Museum of Modern Art (MoMA). And if you go, don’t miss this work by Picasso as well, also featuring nude women and distorted figures: Les Demoiselles d’Avignon.

“Tres mujeres” de Fernand Léger

Esta pintura nos muestra la imagen de tres mujeres, con formas redondeadas y desarticuladas en los aspectos que el artista consideraba más destacados. En mi opinión, el hecho de que sus rostros sean idénticos sugiere que estas tres mujeres son, en realidad, una sola. La mujer de la derecha, con el cuerpo color piel, representa a la mujer “real”: tomando té, leyendo. Las otras dos figuras reclinadas son versiones de ella misma en situaciones más eróticas. El felino negro a la derecha quizá también alude al carácter de esta mujer.

Si están por Nueva York, pueden ver esta pintura en el Museum of Modern Art (MoMA). Y si van, no se pierdan esta obra de Picasso, también con mujeres desnudas y figuras desarticuladas: Las señoritas de Avignon.