Franz Marc, "Deer in the Forest 2" (Ciervos en el bosque 2)

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Deer in the Forest 2 by Franz Marc

This picture shows, through an impossible spectrum of colors, a pack of deer camouflaged in the forest. The panting depicts an entire family of deer, partially alert, partly surprised, just like deer are in their natural environment. Those who had been lucky to see deer in the wilderness will find in this painting something that will likely remind them of that encounter.

Despite the fact that Marc painted a number of works with a similar color combination and generally with animals as the subject, this painting is quite unique in terms of lighting and shade areas. Note how the sun entering the forest diagonally from the top-left corner cuts the painting in three areas.

A similar painting from the same author is Stables

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Franz Marc, "Ciervos en el bosque 2". 

Esta pintura muestra, a traves de una escala de color imposible, los ciervos mimetizados en el bosque. El cuadro presenta a una familia completa de ciervos, medio alerta, medio sorprendidos, como son los ciervos en su ambiente natural. Aquellos que han tenido la suerte de haber visto ciervos en estado salvaje en el bosque encontraran en esta pintura algo que les recordara ese momento.

A pesar de que Marc ha pintado varias obras en esta gama de color y en general con temas de animales, esta pintura es unica en cuanto al manejo de luz y sombra que corta la obra en dos areas que resaltan ciertos miembros de la familia de ciervos. Otra obra del estilo es El establo

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Francis Bacon, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión)

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"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon

The crucifixion is an atrocious act that awakens deep emotions. Each of the three figures in this triptych (three paintings) represents feelings associated with the crucifixion. The figure in the left painting is overwhelmed by the happening; the figure in the center is horrified; the one at the right expresses pain and desperation. The crucifixion itself is not included in the paintings, only the feelings that the event generates, this is possibly the most interesting aspect of these paintings.

If one pays attention to the perspective of the room in the paintings, which is revealed by the walls, it is easy to see that the three figures surround the viewer in a triangle. The figures are at the base of our crucifixion, which is our own life. The horror and the pain expressed by the figures is directed to our own existence. 

If you happen to be in London, England, you will find these paintings in the Tate Gallery (but only if you are lucky, these paintings travel a lot as part of special exhibits and are also loaned to other galleries around the world).

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“Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión” de Francis Bacon.

La crucifixión es un suceso atroz que despierta profundas emociones. Cada una de las tres figuras en este tríptico (tres cuadros) representa sentimientos asociados a la crucifixión. La figura de la izquierda esta agobiada por el peso del suceso, la del centro es el horror, la de la derecha es el dolor y la desesperacion. La crucifixión en si misma no aparece en este cuadro, solo los sentimientos que el evento genera; este aspecto es el mas interesante.

Si uno presta atención a la perspectiva de la habitación, que es revelada por las paredes en cada pintura, veremos que las tres figuras rodean al espectador en un triangulo. Las figuras están al pie de nuestra crucifixión, que es nuestra vida. El peso, el horror y el dolor están asociados a nuestra existencia.

Si andan por Londres pueden ver estos cuadros en la Tate Gallery (solo si tienen suerte, estos cuadras viajan mucho en exhibiciones especiales y como prestamo a otras galerias)

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George Rouault, Prostitute before her mirror (Prostituta frente a su espejo)

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Prostitute before her mirror by George Rouault


This painting from 1906 presents the contrast between what we want others to see and what shows.

First, the woman in front of the mirror sees in her reflected image a body that is more curvaceous and younger than her own. Given her profession, this distortion in the perception of reality alludes to the hope she puts in the physical beauty she is losing with the passage of time.

Another interesting aspect is the sad expression of the woman in the image reflected in the mirror, it is not the face of the "real" woman, whose expression is more neutral, hiding her sadness.

The whole scene alludes to the contradictions inherent to the fact that our perception of reality is conditioned by what others (and ourselves) want to see and show. Often, the real feelings and intentions are not apparent. 

If you happen to be in Paris, you will find this painting in the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (do not confuse with the Centre Pompidou).

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“Prostituta Frente a Su Espejo” de George Rouault. 

Esta obra pintada en 1906 presenta el contraste entre la realidad versus lo que dejamos ver o queremos ver. 

Primero, la mujer frente al espejo ve en su imagen reflejada un cuerpo más esbelto y curvaceo que el que realmente tiene. Dada su profesión, esta distorsión en la percepción de la realidad alude a la esperanza que deposita en la belleza que casi ya no tiene.

El segundo aspecto es que la expresión de tristeza en el espejo, particularmente la posición de la boca, no es la expresión de la mujer en la realidad (su expresión parece ser mas neutra y oculta esa tristeza).

La escena alude a las contradicciones inherentes al hecho de que nuestra percepción esta generalmente condicionada por lo que queremos ver o mostrar. Muchas veces la realidad no es aparente.

Si andan por Paris lo van a encontrar en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (no confundir con el Centre Pompidou).

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Edvard Munch, Girls on the Bridge (Jóvenes en el puente)

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Girls on the Bridge by Edvard Munch 

This painting shows three young ladies in transition. Adolescence is represented by the bridge, half-way between childhood and adult life. As they become adults some will get married, others will go into a convent as nuns (at the time of this painting, 1890, that was a common option). 

The water they look at from the bridge represents the passing time, the destiny. In that water, the girls try to elucidate what the future holds for them. The fact that the water looks calm probably represents that time passes slowly for the girls, which makes it difficult to "guess" their future.

There are dozens of variations and versions of this theme in Munch's work. In other versions (see online) the position of the girls and their actions change notably. See Example 1 o Example 2

If you happen to be around Oslo, Norway, you will find the painting below in the National Gallery.

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“Jovenes en el Puente” de Edvard Munch.

Esta obra presenta tres jóvenes que están en transición (el puente) a mitad de camino entre la adolescencia y la vida de adultas, en las cuales unas se casaran y otras iran a un convento (esta pintura es de fines del 1800). El agua al cual se asoman representa el tiempo que corre, el destino. En esa agua las jóvenes tratan de entrever que les depara el futuro. El hecho de que el agua aparezca calma quizás represente que el tiempo pasa con lentitud, lo que hace dificultoso “adivinar” cual será el futuro de estas jóvenes. Hay decenas de variaciones de este tema en la pintura de Munch.

En otras versiones (vean online) la posición y acciones de las jóvenes cambia notablemente, interesante para interpretar. Ver Ejemplo 1 o Ejemplo 2

Si andan por Oslo, Noruega, lo van a encontrar en la Galeria Nacional.

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Marc Chagall: Paris From the Window (París desde la ventana)

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“Paris from the Window” by Marc Chagall

The Russian painter Marc Chagall spent much of his career in France. In this work, he fuses a view of Paris with elements of traditional Russian folklore — the inverted train, the cat with a human face, and other dreamlike figures. Beyond its vivid colors and visual complexity, the painting conveys a clear message: when we look at the world around us, we perceive reality through the lens of our cultural background. Our eyes do not see in abstraction, but through the filters of memory and identity.

A central motif is the two-faced head in the lower right corner — a self-portrait of the artist. The two faces suggest that the same person looks in opposite directions at once: one toward the present, the “here and now”; the other toward the homeland, the past, the roots that shaped him.

This painting holds special meaning for those of us who have experienced emigration — the constant balancing between where we are and where we come from.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Solomon R. Guggenheim Museum, located on Fifth Avenue and East 88th Street.

“París desde la ventana”, de Marc Chagall

El pintor ruso Marc Chagall residió en Francia durante gran parte de su carrera. En esta obra combina una vista de París con elementos del folclore ruso tradicional —el tren invertido, el gato con rostro humano y otras figuras oníricas—. Más allá de su complejidad pictórica y sus colores vibrantes, el mensaje es claro: cuando observamos el mundo que nos rodea, interpretamos la realidad a través del filtro de nuestra cultura. Nuestros ojos no ven en abstracto, sino desde un paradigma cultural formado por la memoria y la identidad.

Un elemento central es la cabeza de dos rostros en la esquina inferior derecha —un autorretrato del pintor—. Los dos perfiles sugieren que una misma persona mira en direcciones opuestas: uno hacia el presente, el “aquí y ahora”; el otro hacia la tierra natal, el pasado, la herencia cultural.

Esta pintura resulta especialmente significativa para quienes hemos emigrado, para quienes vivimos con la mirada dividida entre el lugar donde estamos y el lugar del que venimos.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta obra en el Museo Solomon R. Guggenheim, ubicado en la Quinta Avenida y la calle 88 Este.

Henri Matisse, The conversation (La conversación)

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“The Conversation” by Henri Matisse

This painting portrays a couple in conflict — distanced both personally and socially. One of the most striking elements expressing their personal disagreement is the design of the balcony railing, which spells out “NON” (“no” in French). The faint stain on the woman’s face suggests that her husband perceives her flaws, seeing beyond the impeccable image she presents to the outside world.

The social dimension of their distance is underscored by several visual cues: the man’s position of superiority — standing — contrasts with the woman’s seated posture. Yet, she meets his gaze, confronting him with quiet determination. The man’s casual attire, a pair of pajamas, stands in stark contrast to the woman’s formal dress. She appears trapped by domestic life — her arm entangled with that of the chair, her body pressed against the wall itself.

At the center of the composition lies the garden seen through the window. It represents Eden — paradise, freedom, and the life they no longer share. Perhaps it evokes a happier past or a future in which the couple is finally apart, at peace in their individuality. The two blue doorways at the end of the garden may symbolize their separate yet similar origins — two paths once parallel, now divided.

If you happen to be in Moscow, you can find this painting at the Hermitage Museum. Be prepared: the museum holds over three million works of art, each one worth seeing.

“La conversación”, de Henri Matisse

Esta pintura muestra a una pareja en conflicto, distanciada tanto por razones personales como sociales. Uno de los elementos más reveladores de su desacuerdo íntimo es el diseño de la barandilla del balcón, que forma la palabra “NON” (“no” en francés). La mancha en el rostro de la mujer sugiere que el marido ve sus defectos, más allá de la apariencia impecable que ella proyecta ante el mundo.

El aspecto social de la distancia entre ambos se refleja en varios detalles: la posición de superioridad del hombre —de pie— frente a la mujer —sentada—; sin embargo, ella sostiene la mirada, enfrentándolo con serenidad. La informalidad del hombre, en pijama, contrasta con la formalidad del vestido de la mujer. Ella parece atrapada por la rutina doméstica: su brazo se confunde con el del sillón y su cuerpo se funde con la pared.

En el centro de la composición se abre el jardín, visible a través de la ventana. Representa el Edén —el paraíso, la libertad— que ya no poseen. Tal vez evoca un pasado más feliz o un futuro en el que la pareja, por fin separada, ha recuperado su individualidad. Las dos entradas azules al fondo del jardín aluden a su origen común, similar, pero irremediablemente separado.

Si estás en Moscú, puedes ver esta pintura en el Museo del Hermitage. Prepárate: en ese museo hay más de tres millones de obras de arte que valen la pena.

Balthus, The Card Game (El juego de cartas)

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Balthus, The Card Game

The game the boy and girl play in this painting serves as an allegory for the transition from childhood to adolescence — the awakening of sexuality that accompanies puberty.

The boy’s posture suggests a hesitant advance; the girl’s, a mix of expectation and amusement, tempered by restraint.

At the center of the table, an unlit candle — a clear phallic symbol — hints that the “game” of seduction and discovery lies ahead. They are not yet ready.

If you find yourself in Madrid, you can see this painting at the Palacio de Villahermosa, part of the Thyssen-Bornemisza Collection.

Balthus, El juego de cartas

El juego que el niño y la niña practican en esta pintura es una alegoría de la transición de la niñez a la adolescencia, del despertar de la sexualidad asociado a la pubertad.

La postura del niño sugiere un avance vacilante; la de la niña, una mezcla de expectación y diversión, contenida por la prudencia.

En el centro de la mesa, una vela apagada —símbolo fálico— alude a que el “juego” de la seducción y el descubrimiento tendrá lugar más adelante. Aún no están preparados.

Si estás en Madrid, puedes ver esta obra en el Palacio de Villahermosa, parte de la colección Thyssen-Bornemisza.