"Guernica" by Pablo Picasso

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“Guernica” by Pablo Picasso

This legendary work was painted to commemorate the bombing of the city of Guernica by General Franco’s forces during the Spanish Civil War. Despite the complexity of its composition, the story it tells is simple: an overwhelming, unreachable force destroys everything in its path —civilians and soldiers alike. Yet, for the rest of the world, or for the universal conscience, the event does not go unnoticed.

The central elements of this monochromatic painting, from left to right, include: the woman —perhaps a symbol of the homeland— holding her dead child in her arms; the bull, powerful and unstoppable; the fallen rider, defeated, with a broken sword beneath his wounded horse, both exposed to a mix of light and an omnipresent eye. Finally, through a doorway, we see the long arm of justice bringing illumination, and the astonished, witnessing face of humanity —the woman’s face. There is also a defeated man, half kneeling, crawling toward the light/eye, perhaps pleading for mercy, and another perishing amid the consuming flames.

If you visit Madrid, you’ll find this monumental painting at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Its sheer scale and emotional power are truly breathtaking.

“Guernica” de Pablo Picasso

Esta obra legendaria fue pintada para conmemorar el bombardeo de la ciudad de Guernica por las fuerzas del general Franco durante la Guerra Civil Española. A pesar de la complejidad de su composición, la historia que relata es sencilla: una fuerza descomunal, inalcanzable, arrasa con todo a su paso —civiles y militares por igual—. Sin embargo, para el resto del mundo, o para la conciencia universal, el suceso no pasa inadvertido.

Los elementos centrales de esta obra monocromática, de izquierda a derecha, incluyen: la mujer —¿la patria?— con su hijo muerto en brazos; el toro, símbolo de fuerza y poder; el jinete caído, derrotado, con la espada rota, bajo su caballo herido, ambos expuestos a una mezcla de luz y ojo omnipresente. Finalmente, a través de una puerta, aparece el largo brazo de la justicia que ilumina, y el rostro sorprendido, testigo, de la humanidad —el rostro de la mujer—. También se distingue un hombre derrotado, semi arrodillado, que se arrastra hacia la luz/ojo, tal vez pidiendo clemencia, y otro pereciendo bajo las llamas que lo consumen.

Si están en Madrid, pueden contemplar esta obra monumental en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Su tamaño y fuerza expresiva los dejarán sin aliento.

“The Kiss” by Constantin Brancusi ("El Beso")

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“The Kiss” by Constantin Brancusi

This Romanian sculptor astonishes with his originality. The work focuses on the union created through a kiss; in this act, the lovers are transformed —or seek to be transformed— into one. The sexual identity of the lovers is impossible to discern.

This is one of several versions of “The Kiss”, which can be found in various museums around the world. One of the original versions is housed at the Museum of Art in Craiova, Romania. The museum itself is a beautiful work of art.

“El beso” de Constantin Brancusi

Este escultor rumano deslumbra por su originalidad. La obra se centra en la unión que produce el beso; a través de este acto, los amantes se transforman —o buscan transformarse— en uno solo. La identidad sexual de los amantes es imposible de determinar.

Esta es una de las múltiples versiones de “El beso”, por lo que es posible encontrarla en varios museos alrededor del mundo. Una de las versiones originales se encuentra en el Museo de Arte de Craiova, en Rumania. El museo en sí mismo es bellísimo.

“Forward Retreat” by Mark Tansey ("Avance en retroceso")

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“Forward Retreat” by Mark Tansey

This monochromatic painting by a contemporary artist explores the duality of a military tactic —retreating on one front in order to advance on another— through several visual distortions. The riders are seated backwards, facing opposite the direction of their horses, while the entire image is mirrored in the water below.

In essence, we are seeing an inverted reflection of riders moving backward in a reversed retreat. A tactic meant to confuse and mislead becomes doubly disorienting here, especially since one of the riders holds a polo mallet instead of a weapon. In my view, this painting alludes to how difficult it can be to decipher and truly understand others’ intentions in complex situations —and how close we always are to misinterpreting one another.

This painting is housed at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York. The Metropolitan Museum of Art in the same city also features other notable works by this artist.

“Avance en retroceso” de Mark Tansey

Esta pintura monocromática de un autor contemporáneo nos presenta la dualidad de una táctica militar —la retirada en un frente para avanzar en otro—, con varios elementos alterados. Los jinetes están sentados al revés, mirando hacia atrás en relación con sus caballos, mientras toda la imagen se refleja en el agua.

En suma, observamos el reflejo invertido de jinetes que cabalgan hacia atrás en una retirada al revés. Una táctica concebida para confundir y desorientar se vuelve aquí doblemente desconcertante, sobre todo porque uno de los jinetes sostiene un taco de polo en lugar de un arma. En mi opinión, esta pintura alude a la dificultad que existe, en muchos casos, para descifrar e interpretar correctamente las intenciones de los demás en acciones complejas, y a lo fácil que resulta malentender al otro.

Esta obra se encuentra en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. El Metropolitan Museum of Art de la misma ciudad también conserva otras obras interesantes de este autor.

“Rising” by Zhang Huan ("Levantamiento")

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“Rising” by Zhang Huan

This sculpture, created by one of China’s most prominent contemporary artists, is installed outdoors in Toronto.

The central figure is an amorphous creature reminiscent of the Water Dragon from the Chinese zodiac, with dozens of doves perched upon its limbs. The dragon’s arms and legs —headless and far-reaching— appear powerful and expansive, especially when contrasted with the delicacy of the small birds.

This indistinct dragon represents the power of the Chinese state —a force that extends everywhere, seemingly limitless in reach and strength. Its resemblance to the Water Dragon of the zodiac evokes qualities that both the creature and the State share: power and the threat of violence. The doves, by contrast, symbolize the citizens who long for peace, freedom, and prosperity. By resting upon the dragon’s limbs, they seem to tame and pacify it.

Hence the ambivalence of the title: “Rising” can refer to an uprising —a revolt of sorts— but also to a rebirth, an elevation, or the emergence of something promising.

If you find yourself in Toronto, you can see this sculpture permanently installed at the entrance of the Shangri-La Hotel, at the corner of University Avenue and Adelaide Street West. While you’re in the area, don’t miss the Art Gallery of Ontario, just a few blocks away.

“Levantamiento” de Zhang Huan

Esta escultura, creada por uno de los artistas chinos más prominentes de la actualidad, se encuentra instalada al aire libre en la ciudad de Toronto.

El personaje central es una criatura amorfa que recuerda al Dragón de Agua del zodíaco chino, con decenas de palomas posadas sobre sus miembros. Los brazos y piernas del dragón —que carece de cabeza— se extienden ampliamente y poseen una fuerza considerable en contraste con la fragilidad de las pequeñas palomas.

Este dragón impreciso representa el poder del Estado chino: un poder que se extiende a todas partes y parece tener un alcance y una fuerza casi ilimitados. La semejanza con el Dragón de Agua del zodíaco nos recuerda las características que este símbolo comparte con el Estado: el poder y la amenaza de violencia. Las palomas, en cambio, representan a los ciudadanos, que anhelan paz, libertad y prosperidad. Al posarse sobre los miembros del dragón, parecen dominarlo y apaciguarlo.

De ahí la ambivalencia del título de la obra: “Levantamiento” (Rising, en inglés) puede aludir tanto a una revuelta —más o menos violenta— como a un renacer, una elevación o el surgimiento de algo esperanzador.

Si están en Toronto, pueden ver esta escultura instalada de forma permanente en la entrada del Hotel Shangri-La, en la esquina de University Ave. y Adelaide St. W.. Y si andan por la zona, no se pierdan la Art Gallery of Ontario, a pocas cuadras de allí.

“Father and Son Contemplating the Shadow of a Day” by Roberto Aizemberg (“Padre e hijo contemplando la sombra de un día”)

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“Father and Son Contemplating the Shadow of a Day” by Roberto Aizemberg

Roberto Aizemberg, born in the province of Entre Ríos, created a series of works in which a man and a child contemplate unreal landscapes—pictures that imply a reality beyond what the eyes can see. This particular work was painted in 1963, at a time when Argentina was just beginning to recover from a cycle of military dictatorships, while the rest of the world was caught up in the Cold War, the Cuban Missile Crisis, and later the assassination of President Kennedy.

The father and the child contemplating the shadow of a day see two sections, two areas with different shapes, divided by a thin line. An allegory of opposing factions that resemble each other greatly, are divided by very little, and are even made of the same material. Both areas lie under the shadow of today and the now. The other central element is the glow of light almost on the horizon: the future, a tomorrow in which the two factions become one and are integrated into the same form, and the shadow that darkens them today is no longer there. The father sees with the child the future of the latter—a future better than the gloomy reality of his present.

You can see this work at the Museum of Fine Arts in Buenos Aires. If you have the opportunity to visit the beautiful city of Federal, Entre Ríos, where this artist was born, don’t miss the annual chamamé festival.

“Padre e hijo contemplando la sombra de un día”, de Roberto Aizemberg

Roberto Aizemberg, nacido en la provincia de Entre Ríos, creó una serie de obras en las que un hombre y un niño contemplan paisajes irreales; paisajes que sugieren una realidad que va más allá de lo que perciben los ojos. Esta obra en particular fue pintada en 1963, en un momento en que la Argentina apenas comenzaba a recuperarse de un ciclo de dictaduras militares, mientras el resto del mundo se veía envuelto en la Guerra Fría, la crisis de los misiles en Cuba y, poco después, el asesinato del Presidente Kennedy.

El padre y el niño, al contemplar la sombra de un día, observan dos secciones, dos áreas con formas distintas, divididas por una línea fina. Se trata de una alegoría de facciones enfrentadas, que se asemejan mucho entre sí, que están separadas por muy poco y que incluso parecen estar hechas de la misma materia. Ambas áreas se encuentran bajo la sombra del hoy y del ahora.

El otro elemento central es el brillo de la luz casi en el horizonte: el futuro, un mañana en el que las dos facciones se funden en una sola forma, integradas, y donde la sombra que hoy las oscurece ya no existe. El padre contempla junto al niño el futuro de este último, un futuro mejor que la sombría realidad de su presente.

Esta obra puede verse en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. Si tienen la oportunidad de visitar la hermosa ciudad de Federal, en Entre Ríos, donde nació el artista, no se pierdan el festival anual de chamamé.

“I and the Village” by Marc Chagall ("Yo y la Aldea")

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“I and the Village” by Marc Chagall

In this work, the painter—represented by the face on the right—reconnects with the central elements of his native village. Chagall painted this piece while living far from his homeland in Russia, during his time in Paris.

The goat, the farmer milking the cow, the villagers walking back to town after a day’s work, the church, and the traditional houses are all part of everyday village life. The artist adds an element that occupies a prominent place in the composition: the tree of life, located at the lower center of the painting.

If you happen to be in New York, you can find this work at the Museum of Modern Art (MoMA). And if you visit the museum, don’t miss trying something from the menu at the second-floor restaurant—it’s very good!

“Yo y la Aldea”, de Marc Chagall

En esta obra, el pintor —representado por el rostro ubicado a la derecha— se reencuentra con los elementos centrales de su aldea natal. Chagall pintó esta obra mientras vivía lejos de su Rusia natal, instalado en París.

La cabra, el campesino ordeñando la vaca, los aldeanos que regresan al pueblo después de un día de trabajo, la iglesia y las casas típicas forman parte de la vida cotidiana de la aldea. El autor añade un elemento que ocupa un lugar destacado en la composición: el árbol de la vida, situado en la parte inferior central del cuadro.

Si pasan por Nueva York, pueden encontrar esta obra en el Museum of Modern Art (MoMA). Y si visitan el museo, no dejen de probar algo del menú del restaurante del segundo piso: ¡es muy bueno!

“Mother and Child" by Henry Moore ("Madre e hijo")

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“Mother and Child” by Henry Moore

The theme of mother and child is recurrent in Henry Moore’s sculptural work. This version is particularly striking: the child has transformed into a kind of fierce bird attempting to attack the mother, who partially defends herself by gripping the child by the neck. In this depiction of the mother–child relationship, Moore brings to the forefront its antagonistic and conflictive aspects.

There are several versions of this and other sculptures by Moore based on the mother-and-child motif, some of which can be found at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the Courtauld Institute in London, and the Getty Museum in Los Angeles.

“Madre e hijo”, de Henry Moore

El tema de la madre y el hijo es recurrente en la obra escultórica de Henry Moore. Esta versión resulta particularmente interesante: el hijo ha mutado en una especie de ave feroz que intenta atacar a la madre, quien se defiende parcialmente sujetándolo por el cuello. En esta representación de la relación madre-hijo, Moore pone en primer plano lo antagónico y lo conflictivo.

Existen varias versiones de esta y de otras esculturas de Moore con el motivo de madre e hijo, algunas de las cuales pueden encontrarse en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Courtauld Institute de Londres y el Getty Museum de Los Ángeles.