“Ophelia (Ofelia)” de John Everett Millais

Viernes Artisticos: hoy “Ophelia (Ofelia)” de John Everett Millais

En este cuadro de mediados del 1800 vemos a Ophelia, uno de los personajes de Hamlet, de William Shakespeare, cantando en el agua, poco antes de ahogarse en el rio donde cayo mientras juntaba flores en la orilla. Esta escena no es actuada en la obra Hamlet, sino que es descripta en el Acto IV, Escena VII por la reina Gertrude (Gertrudis).

La descripción de la muerte de Ophelia es considerada una de las muertes mas poeticas en la historia de la literatura.

Si andan por Londres, van a encontrar esta obra en la Tate Gallery. Una vez alli, no se pierdan otra hermosa pintura relacionada con una obra de Shakespeare, “EllenTerry como Lady Macbeth” de John Singer Sargent.

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“Prohibida la Reproducción” de Rene Magritte

Viernes Artisticos: hoy “Prohibida la Reproducción” de Rene Magritte

Esta obra es una reafirmación de lo único e individual en la identidad y circunstancias de cada persona. El hecho que la persona en el cuadro no se vea reflejada en el espejo es básicamente una declaración: no se puede reproducir . En mi opinión también hay una referencia a un tema recurrente en la pintura de Magritte: el de la percepción de la identidad, vemos al otro como una construcción de nuestro intelecto, no en su verdadera identidad. Vean la interpretacion de “Los Amantes” en relación a este punto.

Nótese que el libro (abajo a la derecha) si se ve reflejado (reproducido) en el espejo. El que el libro sea “La Narración de Arthur Gordon Pym” de Edgar Allan Poe es particularmente significativo. Ese libro se trata de una gran aventura, una jornada unica, una buena parte de la vida de un joven. El reflejo del libro a lude a que la vida de un individuo puede ser contada; la ausencia del reflejo de la persona implica que la vida de otro no puede ser vivida.

Esta obra se encuentra en Holanda, en Rotterdam, en el Museum Boijmans Van Beuningen. Si van a ese museo no se pierdan este triptico recientemente adquirido.

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"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso "Joven Frente al Espejo”

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso 

Based on a colourful design, this painting presents Picasso's vision on individuality and perception of oneself and others. The girl in front of the mirror seen by the artist, emphasizing her most salient characteristics, in the image to the left, looks at herself in mirror to the right.

The image reflected in the mirror is, in my opinion, what the painter thinks the model sees when looking at herself. A central element is the face reflected in the mirror: its color, shape, stains (tears?). Picasso shows that the girl sees her feelings and defects, some real some imagined, some apparent, some hidden. This is a recurrent themes in the art of the first half of the 1900's, and something that Picasso may have taken from Matisse (see the stain the woman's face in The Conversation).

Part imagined, part real, the perceived image has a continuity in reality. The element that joins both real and reflected girl is the arm that intertwines with both images (something also found in The Conversation by Matisse).

If you go to New York, you will find this painting at MoMA.

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“Joven Frente al Espejo” de Pablo Picasso

Basandose en un diseño sumamente colorido, esta obra presenta la visión de Picasso sobre la individualidad en la percepción del otro y de uno mismo. “La joven frete al espejo” como es vista por el pintor en sus rasgos mas salientes en la imagen de la izquierda, se ve a si misma reflejada en el espejo de la derecha. 

La imagen reflejada en ese espejo es, en mi opinión, lo que el pintor cree que la modelo ve. Un elemento central es el rostro reflejado en el espejo, el color, la forma, las manchas. Picasso indica que la joven ve sus defectos, algunos reales otros imaginarios, unos visibles, otros ocultos. Este es un tema recurrente en la pintura de la época, y algo que creo que Picasso pudo haber tomado de Matisse (vea la mancha en la cara de la mujer en “La Conversacion”)

Parte imaginada, parte real, la imagen percibida tiene su continuidad en la realidad, el elemento que une ambas visiones es el brazo que se confunde y entrelaza con la imagen (algo tambien presente en “La Conversacion” de Matisse).

Si pasan por New York van a encontrar esta obra en el Museum of Modern Art.

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"Woman with a hat" by Henri Matisse (“Mujer Con Sombrero”)

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

"Woman with a hat" by Henri Matisse

This painting from the early 1900s is a portrait of Amelie, Matisse's wife. 

What is unique about this painting? The disjointed elements that compose the image suggest this is a painting that intended to provoke, to get people to talk about it. And effectively, records from the time the painting was first exhibited show that people were generally divided between those that thought it was the work of a genius, and those that thought it was a hoax or a joke. 

The controversy centres around the large, amorphous, areas of colour that form the image. Lines are mostly absent, depth is the byproduct of the difference in temperature and tone of the different colours. At the time this painting was presented to the public, the author's approach to both shape and perspective were ground breaking. As it often happens, change is not always well received.

If you happen to go to San Francisco (USA), you will find this painting in the Museum of Modern Art. Don't miss out, just around the corner, the activities at the Yerba Buena Center for the Arts

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“Mujer Con Sombrero” de Henri Matisse 

Esta pintura de principios del 1900 es un retrato de Amelie, la esposa de Matisse.

Que hace a este cuadro único? Los elementos desencajados que forman la imagen sugieren que esta pintura fue orquestada con la intension de provocar, de hacer que la gente hable de ella. Y efectivamente, logro su propósito, como muestran registros de la época que indican que la gente estaba dividida entre los que pensaban que era el trabajo de un genio y los que pensaban que era una broma.

La controversia se centra en las areas de color que forman la imagen. Manchas grandes y amorfas, son las que determinan la forma. La profundidad establecida por la temperatura y tonalidad de los colores. Lineas, casi ausentes. En la época que esta pintura fue presentada al publico, la manera en que forma y perspectiva son tratadas en este cuadro era muy novedosa. Como sucede a menudo, el cambio no es siempre bienvenido.

Si andan por San Francisco (USA) la van a encontrar en el museo de arte moderno de esa ciudad. No se pierdan, a la vuelta de la esquina, la accion en el Yerba Buena Center for the Arts.

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