“I and the Village” by Marc Chagall ("Yo y la Aldea")

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“I and the Village” by Marc Chagall

In this work, the painter—represented by the face on the right—reconnects with the central elements of his native village. Chagall painted this piece while living far from his homeland in Russia, during his time in Paris.

The goat, the farmer milking the cow, the villagers walking back to town after a day’s work, the church, and the traditional houses are all part of everyday village life. The artist adds an element that occupies a prominent place in the composition: the tree of life, located at the lower center of the painting.

If you happen to be in New York, you can find this work at the Museum of Modern Art (MoMA). And if you visit the museum, don’t miss trying something from the menu at the second-floor restaurant—it’s very good!

“Yo y la Aldea”, de Marc Chagall

En esta obra, el pintor —representado por el rostro ubicado a la derecha— se reencuentra con los elementos centrales de su aldea natal. Chagall pintó esta obra mientras vivía lejos de su Rusia natal, instalado en París.

La cabra, el campesino ordeñando la vaca, los aldeanos que regresan al pueblo después de un día de trabajo, la iglesia y las casas típicas forman parte de la vida cotidiana de la aldea. El autor añade un elemento que ocupa un lugar destacado en la composición: el árbol de la vida, situado en la parte inferior central del cuadro.

Si pasan por Nueva York, pueden encontrar esta obra en el Museum of Modern Art (MoMA). Y si visitan el museo, no dejen de probar algo del menú del restaurante del segundo piso: ¡es muy bueno!

“Mother and Child" by Henry Moore ("Madre e hijo")

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“Mother and Child” by Henry Moore

The theme of mother and child is recurrent in Henry Moore’s sculptural work. This version is particularly striking: the child has transformed into a kind of fierce bird attempting to attack the mother, who partially defends herself by gripping the child by the neck. In this depiction of the mother–child relationship, Moore brings to the forefront its antagonistic and conflictive aspects.

There are several versions of this and other sculptures by Moore based on the mother-and-child motif, some of which can be found at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the Courtauld Institute in London, and the Getty Museum in Los Angeles.

“Madre e hijo”, de Henry Moore

El tema de la madre y el hijo es recurrente en la obra escultórica de Henry Moore. Esta versión resulta particularmente interesante: el hijo ha mutado en una especie de ave feroz que intenta atacar a la madre, quien se defiende parcialmente sujetándolo por el cuello. En esta representación de la relación madre-hijo, Moore pone en primer plano lo antagónico y lo conflictivo.

Existen varias versiones de esta y de otras esculturas de Moore con el motivo de madre e hijo, algunas de las cuales pueden encontrarse en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York, el Courtauld Institute de Londres y el Getty Museum de Los Ángeles.

“The Birth of Venus” by Sandro Botticelli (“El nacimiento de Venus”)

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“The Birth of Venus” by Sandro Botticelli

One of Botticelli’s great masterpieces. Venus is born from a seashell and is carried toward the shore by the wind Zephyrus, accompanied by one of his nymphs. On the coast, Flora awaits Venus with a tunic to cover her. All of these figures—Venus, Zephyrus, and Flora—reappear in another of Botticelli’s most famous paintings, Primavera, which has also been interpreted on this blog.

This work is housed in the Uffizi Gallery in Florence, Italy. The gallery itself is also a work of art.

“El nacimiento de Venus”, de Sandro Botticelli

Una de las grandes obras maestras de Botticelli. Venus nace de una concha marina y es impulsada hacia la costa por el viento Céfiro, acompañado por una de sus ninfas. En la orilla, Flora aguarda a Venus con una túnica para cubrirla. Todos estos personajes —Venus, Céfiro y Flora— reaparecen en otra de las pinturas más célebres de Botticelli: La Primavera, obra que también ha sido interpretada en este blog.

Esta pintura se encuentra en la Galería de los Uffizi, en Florencia, Italia. La galería en sí misma es también una obra de arte.

“The Lovers” by Rene Magritte (“Los Amantes”)

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“The Lovers” by René Magritte

The members of this couple are anonymous; each is unaware of the other’s true identity. Magritte poses a disturbing question: to what extent do we truly see and know our partner, and to what extent is the other a construction of our own perception and desire? Perhaps Julio Cortázar wrote the phrase that best captures this work in his novel Hopscotch: “Since you didn’t know how to hide it, I immediately realized that in order to see you as I wanted, it was necessary to begin by closing my eyes.”

The anonymity of the lovers also alludes to the loss of individual identity—and the construction of a shared identity—among those who are part of a couple.

This work, along with others by Magritte, can be found at the Museum of Modern Art in New York. If you visit the museum, be sure to stop by Tourneau to see their remarkable collection of watches.

“Los amantes”, de René Magritte

Los integrantes de esta pareja son anónimos: cada uno desconoce la verdadera identidad del otro. Magritte nos plantea una pregunta inquietante: ¿hasta qué punto vemos y conocemos realmente a nuestra pareja?, ¿hasta qué punto el otro es una construcción de nuestra percepción y de nuestro deseo? Quizás Julio Cortázar haya escrito la frase que mejor describe esta obra en su novela Rayuela:
“Como no sabías disimular, me di cuenta enseguida de que para verte como yo quería era necesario empezar por cerrar los ojos”.

El anonimato de los amantes alude también a la pérdida de la identidad individual —y a la construcción de una identidad compartida— de quienes están en una relación.

Esta obra, junto con otras de Magritte, se encuentra en el Museum of Modern Art de Nueva York. Si visitan el museo, no dejen de pasar por Tourneau para ver los increíbles relojes que exhiben.

“The Storm” by Edvard Munch ("La Tormenta")

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“The Storm” by Edvard Munch

In The Storm, Munch presents an allegory of the need to explore the unknown and of the forces that drive us to expose ourselves to potential danger. The approaching storm represents the tangible threat of the future, while the house—everyday life, what is familiar and our own—offers protection and shelter.

The woman dressed in white, who moves away from the group, breaks with the routine of daily life and exposes herself to the unknown. The rest of the figures remain motionless, horrified by the action of someone who turns her back on the safety of the familiar in order to pursue her destiny.

Those who have made a radical, life-altering decision—such as emigrating—may identify with the figure in white, and see in the group echoes of friends or family members who regarded the uncertainty of such plans with apprehension.

This painting also contains an element characteristic of Munch’s most famous work, The Scream. Notice how the figures hold their hands to the sides of their faces in the same pose as the central figure in The Scream. In Munch’s work, the future—whether the continuation of the familiar or the leap into uncertainty—and existence itself are sources of anxiety.

If you are in New York, you can see this work at the Museum of Modern Art, which also houses a remarkable collection of masterpieces by other artists.

“La tormenta”, de Edvard Munch

En La tormenta, Munch nos presenta una alegoría sobre la necesidad de explorar lo desconocido y sobre las fuerzas que nos impulsan a exponernos a un peligro potencial. La tormenta que se avecina representa la amenaza palpable del futuro, mientras que la casa —lo cotidiano, lo conocido, lo propio— ofrece protección y refugio.

La mujer vestida de blanco, que se aleja del grupo, rompe con lo cotidiano y se expone a lo desconocido. El resto de las figuras permanece inmóvil, horrorizado ante la acción de quien da la espalda a la seguridad de lo familiar para ir en busca de su destino.

Quienes han dado un giro de ciento ochenta grados en sus vidas —como, por ejemplo, quienes han emigrado— pueden sentirse identificados con la figura de blanco, y reconocer en el grupo similitudes con amigos o familiares que observaban la incertidumbre de sus decisiones con aprensión.

Esta pintura contiene además un elemento característico de la obra más famosa de Munch, El grito. Obsérvese cómo los personajes colocan las manos a los lados del rostro en la misma posición que la figura central de esa obra. En la pintura de Munch, el futuro —ya sea la continuidad de lo cotidiano o lo incierto— y la existencia misma son una fuente constante de ansiedad.

Si se encuentran en Nueva York, esta obra puede verse en el Museum of Modern Art. Allí también encontrarán una extensa colección de obras maestras de otros grandes artistas.