“Three Women” by Fernand Léger ("Tres mujeres")

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“Three Women” by Fernand Léger

This painting presents us with the image of three women, their rounded forms distorted in the ways that the artist considered most striking. In my opinion, the fact that their faces are identical suggests that these three women are actually one. The woman on the right, with a flesh-colored body, represents the “real” woman—having tea, reading. The other two reclining figures are versions of herself in more erotic situations. The black feline on the right may also allude to this woman’s character.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Museum of Modern Art (MoMA). And if you go, don’t miss this work by Picasso as well, also featuring nude women and distorted figures: Les Demoiselles d’Avignon.

“Tres mujeres” de Fernand Léger

Esta pintura nos muestra la imagen de tres mujeres, con formas redondeadas y desarticuladas en los aspectos que el artista consideraba más destacados. En mi opinión, el hecho de que sus rostros sean idénticos sugiere que estas tres mujeres son, en realidad, una sola. La mujer de la derecha, con el cuerpo color piel, representa a la mujer “real”: tomando té, leyendo. Las otras dos figuras reclinadas son versiones de ella misma en situaciones más eróticas. El felino negro a la derecha quizá también alude al carácter de esta mujer.

Si están por Nueva York, pueden ver esta pintura en el Museum of Modern Art (MoMA). Y si van, no se pierdan esta obra de Picasso, también con mujeres desnudas y figuras desarticuladas: Las señoritas de Avignon.

“Horse and Train” by Alex Colville ("Caballo y Tren")

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“Horse and Train” by Alex Colville

This 1954 work by a renowned Canadian painter presents a scene in which tragedy is imminent. The horse does not recognize the danger posed by the train. The train engineer, perhaps due to the dim light of the sunset, perhaps because of the monotony of a long, uneventful journey, or perhaps due to the boredom of a plain that has little to offer, fails to perceive the approaching danger.

The calm of the surroundings and the soft evening light give this painting an aura of peace and stillness, which contrasts with the tension of the impending accident. It serves as a reminder that, often, a sudden turn for the worse can happen—even (or especially) at a moment when everything seems calm.

This painting is housed at the Art Gallery of Hamilton in Ontario, Canada, very close to Niagara Falls.

“Caballo y Tren” de Alex Colville

Esta obra de 1954, de un reconocido pintor canadiense, nos presenta una situación en la que la tragedia es inminente. El caballo no reconoce el peligro que representa el tren. El conductor del tren, quizás por la escasa luz del atardecer, quizá por la rutina de un viaje largo y monótono, o tal vez por el aburrimiento de una llanura que tiene poco que ofrecer, no percibe el peligro que se avecina.

La tranquilidad del entorno y la luz tenue del atardecer confieren a esta pintura un aura de paz y quietud, que contrasta con la tensión del accidente que se aproxima. Es un recordatorio de que, muchas veces, un giro hacia lo peor puede ocurrir repentinamente, incluso —o particularmente— en un momento en que todo parece calmo.

Esta obra se encuentra en la Galería de Arte de Hamilton, Ontario, Canadá, muy cerca de las Cataratas del Niágara.

“Girl with a Pearl Earring” by Johannes Vermeer ("Joven con un Aro de Perlas")

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“Girl with a Pearl Earring” by Johannes Vermeer

In my opinion, Vermeer is one of the greatest painters of all time. The almost photographic quality of his works—particularly in terms of scale, shadows, and the gradation of light—gives them an aura of realism and timelessness that transports us directly into the scene. Vermeer painted windows into the past.

In this 1665 painting, Vermeer presents an anonymous young girl whose most striking feature is the pearl earring she wears. It is interesting that the earring is barely visible, while what truly stands out are the unique qualities of her gaze and expression.

This painting has inspired several works of fiction. In 1999, Tracy Chevalier wrote a novel with the same title, in which a maid in Vermeer’s household becomes his lover and the protagonist of the painting. In 2003, Hollywood adapted the book into a film starring Colin Firth as Vermeer and Scarlett Johansson as the girl in the painting. 

This work is housed in The Hague, Netherlands, at the Mauritshuis museum.

“Joven con un aro de perlas” de Johannes Vermeer

En mi opinión, Vermeer es uno de los pintores más grandes de todos los tiempos. La calidad casi fotográfica de sus obras —particularmente en cuanto a escala, sombras y gradación de la luz— les otorga un halo de realismo y vigencia que nos transporta directamente a la escena. Vermeer crea ventanas hacia el pasado.

En esta obra de 1665, Vermeer nos presenta a una joven anónima cuyo rasgo más destacado es el aro de perlas que lleva puesto. Resulta interesante que el aro apenas sea visible en la pintura, mientras que lo que realmente destaca son la mirada y la expresión únicas de la joven.

Esta pintura ha inspirado varias obras de ficción. En 1999, Tracy Chevalier escribió una novela con el mismo título, en la que la criada de la casa de Vermeer se convierte en su amante y es la protagonista de la pintura. En 2003, Hollywood adaptó el libro en una película con Colin Firth como Vermeer y Scarlett Johansson como la joven del cuadro.

Esta obra se encuentra en La Haya, Países Bajos, en el museo Mauritshuis.

“Ophelia” by John Everett Millais ("Ofelia")

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“Ophelia” by John Everett Millais

In this mid-19th century painting, we see Ophelia, one of the characters from William Shakespeare’s Hamlet, singing in the water just before drowning in the river where she fell while picking flowers along the bank. This scene does not appear on stage in the play; it is described in Act IV, Scene VII by Queen Gertrude.

Ophelia’s death is considered one of the most poetic in the history of literature.

If you happen to be in London, you can see this painting at the Tate Gallery. While there, don’t miss another beautiful Shakespeare-inspired work: Ellen Terry as Lady Macbeth by John Singer Sargent.

“Ofelia” de John Everett Millais

En este cuadro, realizado a mediados del siglo XIX, vemos a Ofelia, uno de los personajes de Hamlet de William Shakespeare, cantando en el agua poco antes de ahogarse en el río donde cayó mientras recogía flores en la orilla. Esta escena no se representa en la obra, sino que es narrada en el Acto IV, Escena VII, por la reina Gertrudis.

La descripción de la muerte de Ofelia es considerada una de las más poéticas de la historia de la literatura.

Si están por Londres, pueden ver esta obra en la Tate Gallery. Una vez allí, no se pierdan otra hermosa pintura inspirada en Shakespeare: Ellen Terry como Lady Macbeth, de John Singer Sargent.

“Forbidden Reproduction” by René Magritte ("Prohibida la Reproducción")

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“Forbidden Reproduction” by René Magritte

This work is a reaffirmation of the uniqueness and individuality of each person’s identity and circumstances. The fact that the figure in the painting is not reflected in the mirror is essentially a statement: it cannot be reproduced. In my view, it also refers to a recurring theme in Magritte’s work: the perception of identity. We see others as constructions of our intellect, not in their true essence. A related example is The Lovers.

Notice that the book (at the lower right) is indeed reflected in the mirror. That the book is The Narrative of Arthur Gordon Pym by Edgar Allan Poe is particularly meaningful: it tells of a great adventure, a unique journey, a significant portion of a young man’s life. The reflection of the book suggests that an individual’s life can be recounted; the absence of the person’s reflection implies that another’s life cannot be lived.

This painting is housed in Rotterdam, Netherlands, at the Museum Boijmans Van Beuningen.

“Prohibida la reproducción” de René Magritte

Esta obra es una reafirmación de lo único e individual en la identidad y las circunstancias de cada persona. El hecho de que la figura del cuadro no se refleje en el espejo es, en esencia, una declaración: no puede reproducirse. En mi opinión, también hace referencia a un tema recurrente en la pintura de Magritte: la percepción de la identidad. Vemos al otro como una construcción de nuestro intelecto, no en su verdadera esencia. Un buen ejemplo para relacionar es Los Amantes.

Nótese que el libro (abajo a la derecha) sí se refleja en el espejo. Que el libro sea La narración de Arthur Gordon Pym, de Edgar Allan Poe, es particularmente significativo: se trata de una gran aventura, un viaje único, una buena parte de la vida de un joven. El reflejo del libro alude a que la vida de un individuo puede ser contada; la ausencia del reflejo de la persona implica que la vida de otro no puede ser vivida.

Esta obra se encuentra en Rotterdam, Países Bajos, en el Museum Boijmans Van Beuningen.

"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso ("Muchacha frente al espejo")

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“Girl in Front of a Mirror” by Pablo Picasso

Based on a colorful design, this painting presents Picasso’s vision of individuality and the perception of oneself and others. The girl in front of the mirror, as seen by the artist and emphasizing her most salient features, looks at her reflection in the mirror to the right.

The reflected image, in my opinion, represents what the painter believes the model sees when looking at herself. A central element is the reflected face: its color, shape, and marks (tears?). Picasso shows that the girl perceives her feelings and flaws—some real, some imagined, some apparent, some hidden. This was a recurring theme in the art of the early 20th century, and something Picasso may have drawn from Matisse (see the mark on the woman’s face in The Conversation).

Part imagined, part real, the perceived image maintains a continuity with reality. The element that connects the real and reflected girl is the arm that intertwines both images, also found in Matisse’s The Conversation.

If you visit New York, you can see this painting at MoMA.

“Muchacha frente al espejo” de Pablo Picasso

Basada en un diseño colorido, esta pintura presenta la visión de Picasso sobre la individualidad y la percepción de uno mismo y de los demás. La joven frente al espejo, vista por el artista y resaltando sus características más destacadas, mira su reflejo en el espejo a la derecha.

La imagen reflejada, en mi opinión, representa lo que el pintor cree que la modelo ve al mirarse a sí misma. Un elemento central es el rostro reflejado: su color, forma, manchas (¿lágrimas?). Picasso muestra que la joven percibe sus sentimientos y defectos, algunos reales, otros imaginados, algunos aparentes y otros ocultos. Este es un tema recurrente en el arte de la primera mitad del siglo XX, y algo que Picasso pudo haber tomado de Matisse (véase la mancha en el rostro de la mujer en La conversación).

Parte imaginada, parte real, la imagen percibida tiene continuidad con la realidad. El elemento que une a la joven real y su reflejo es el brazo que se entrelaza con ambas imágenes, algo también presente en La conversación de Matisse.

Si viajan a Nueva York, podrán ver esta pintura en el MoMA.

"Woman with a hat" by Henri Matisse (“Mujer Con Sombrero”)

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“Woman with a Hat” by Henri Matisse

This early 20th-century painting is a portrait of Amélie, Matisse’s wife.

What makes this painting unique? The disjointed elements that compose the image suggest it was meant to provoke and spark discussion. Indeed, records from the time show that the public was divided between those who considered it a work of genius and those who thought it a joke or a hoax.

The controversy centers on the large, amorphous areas of color that form the image. Lines are almost absent, and depth is achieved through differences in tone and temperature between colors. When this painting was first exhibited, the artist’s approach to shape and perspective was groundbreaking. As often happens, change is not always well received.

If you happen to visit San Francisco, USA, you can see this painting at the Museum of Modern Art. Don’t miss the activities just around the corner at the Yerba Buena Center for the Arts.

“Mujer con sombrero” de Henri Matisse

Esta pintura de principios del siglo XX es un retrato de Amélie, esposa de Matisse.

¿Qué hace única a esta obra? Los elementos dislocados que componen la imagen sugieren que se trata de un cuadro diseñado para provocar y generar conversación. Y, de hecho, los registros de la época muestran que el público se dividía entre quienes consideraban la obra un ejemplo de genialidad y quienes pensaban que era una broma o un engaño.

La controversia se centra en las grandes áreas amorfas de color que forman la imagen. Las líneas casi no existen; la profundidad se logra por las diferencias de tono y temperatura entre los colores. Cuando esta pintura se presentó al público, el enfoque del autor sobre la forma y la perspectiva era revolucionario. Como suele suceder, los cambios no siempre son bien recibidos.

Si viajan a San Francisco (EE. UU.), podrán ver esta obra en el Museum of Modern Art. No se pierdan, a la vuelta de la esquina, las actividades del Yerba Buena Center for the Arts.