“Forbidden Reproduction” by René Magritte ("Prohibida la Reproducción")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Forbidden Reproduction” by René Magritte

This work is a reaffirmation of the uniqueness and individuality of each person’s identity and circumstances. The fact that the figure in the painting is not reflected in the mirror is essentially a statement: it cannot be reproduced. In my view, it also refers to a recurring theme in Magritte’s work: the perception of identity. We see others as constructions of our intellect, not in their true essence. A related example is The Lovers.

Notice that the book (at the lower right) is indeed reflected in the mirror. That the book is The Narrative of Arthur Gordon Pym by Edgar Allan Poe is particularly meaningful: it tells of a great adventure, a unique journey, a significant portion of a young man’s life. The reflection of the book suggests that an individual’s life can be recounted; the absence of the person’s reflection implies that another’s life cannot be lived.

This painting is housed in Rotterdam, Netherlands, at the Museum Boijmans Van Beuningen.

“Prohibida la reproducción” de René Magritte

Esta obra es una reafirmación de lo único e individual en la identidad y las circunstancias de cada persona. El hecho de que la figura del cuadro no se refleje en el espejo es, en esencia, una declaración: no puede reproducirse. En mi opinión, también hace referencia a un tema recurrente en la pintura de Magritte: la percepción de la identidad. Vemos al otro como una construcción de nuestro intelecto, no en su verdadera esencia. Un buen ejemplo para relacionar es Los Amantes.

Nótese que el libro (abajo a la derecha) sí se refleja en el espejo. Que el libro sea La narración de Arthur Gordon Pym, de Edgar Allan Poe, es particularmente significativo: se trata de una gran aventura, un viaje único, una buena parte de la vida de un joven. El reflejo del libro alude a que la vida de un individuo puede ser contada; la ausencia del reflejo de la persona implica que la vida de otro no puede ser vivida.

Esta obra se encuentra en Rotterdam, Países Bajos, en el Museum Boijmans Van Beuningen.

"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso ("Muchacha frente al espejo")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Girl in Front of a Mirror” by Pablo Picasso

Based on a colorful design, this painting presents Picasso’s vision of individuality and the perception of oneself and others. The girl in front of the mirror, as seen by the artist and emphasizing her most salient features, looks at her reflection in the mirror to the right.

The reflected image, in my opinion, represents what the painter believes the model sees when looking at herself. A central element is the reflected face: its color, shape, and marks (tears?). Picasso shows that the girl perceives her feelings and flaws—some real, some imagined, some apparent, some hidden. This was a recurring theme in the art of the early 20th century, and something Picasso may have drawn from Matisse (see the mark on the woman’s face in The Conversation).

Part imagined, part real, the perceived image maintains a continuity with reality. The element that connects the real and reflected girl is the arm that intertwines both images, also found in Matisse’s The Conversation.

If you visit New York, you can see this painting at MoMA.

“Muchacha frente al espejo” de Pablo Picasso

Basada en un diseño colorido, esta pintura presenta la visión de Picasso sobre la individualidad y la percepción de uno mismo y de los demás. La joven frente al espejo, vista por el artista y resaltando sus características más destacadas, mira su reflejo en el espejo a la derecha.

La imagen reflejada, en mi opinión, representa lo que el pintor cree que la modelo ve al mirarse a sí misma. Un elemento central es el rostro reflejado: su color, forma, manchas (¿lágrimas?). Picasso muestra que la joven percibe sus sentimientos y defectos, algunos reales, otros imaginados, algunos aparentes y otros ocultos. Este es un tema recurrente en el arte de la primera mitad del siglo XX, y algo que Picasso pudo haber tomado de Matisse (véase la mancha en el rostro de la mujer en La conversación).

Parte imaginada, parte real, la imagen percibida tiene continuidad con la realidad. El elemento que une a la joven real y su reflejo es el brazo que se entrelaza con ambas imágenes, algo también presente en La conversación de Matisse.

Si viajan a Nueva York, podrán ver esta pintura en el MoMA.

"Woman with a hat" by Henri Matisse (“Mujer Con Sombrero”)

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Woman with a Hat” by Henri Matisse

This early 20th-century painting is a portrait of Amélie, Matisse’s wife.

What makes this painting unique? The disjointed elements that compose the image suggest it was meant to provoke and spark discussion. Indeed, records from the time show that the public was divided between those who considered it a work of genius and those who thought it a joke or a hoax.

The controversy centers on the large, amorphous areas of color that form the image. Lines are almost absent, and depth is achieved through differences in tone and temperature between colors. When this painting was first exhibited, the artist’s approach to shape and perspective was groundbreaking. As often happens, change is not always well received.

If you happen to visit San Francisco, USA, you can see this painting at the Museum of Modern Art. Don’t miss the activities just around the corner at the Yerba Buena Center for the Arts.

“Mujer con sombrero” de Henri Matisse

Esta pintura de principios del siglo XX es un retrato de Amélie, esposa de Matisse.

¿Qué hace única a esta obra? Los elementos dislocados que componen la imagen sugieren que se trata de un cuadro diseñado para provocar y generar conversación. Y, de hecho, los registros de la época muestran que el público se dividía entre quienes consideraban la obra un ejemplo de genialidad y quienes pensaban que era una broma o un engaño.

La controversia se centra en las grandes áreas amorfas de color que forman la imagen. Las líneas casi no existen; la profundidad se logra por las diferencias de tono y temperatura entre los colores. Cuando esta pintura se presentó al público, el enfoque del autor sobre la forma y la perspectiva era revolucionario. Como suele suceder, los cambios no siempre son bien recibidos.

Si viajan a San Francisco (EE. UU.), podrán ver esta obra en el Museum of Modern Art. No se pierdan, a la vuelta de la esquina, las actividades del Yerba Buena Center for the Arts.

“Eiffel Tower with Trees” and “Self-Portrait” by Robert Delaunay ("Torre Eiffel con Árboles" y "Auto retrato")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Eiffel Tower with Trees” and “Self-Portrait” by Robert Delaunay

This French-born artist painted countless works featuring the Eiffel Tower as a central motif. This one is among my favorites. In this piece, the artist presents the tower seen through trees that partially block our view, concealing it in part. The painting includes Cubist elements —straight lines and the deconstruction of the tower. Delaunay is considered the first painter to combine vivid colors with Cubism, something that might be even more evident in another of his versions of the Eiffel Tower.

If you happen to be in New York, you can find it at the Solomon R. Guggenheim Museum on 5th Avenue. Don’t miss the beautiful views of Central Park right across the street. You can see it here.

The second painting in this post is Delaunay’s self-portrait, located at the Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou) in Paris. Take a moment to look at this work carefully and you’ll notice that the artist didn’t paint any lines or edges. The entire composition is defined by patches of color arranged to outline his facial features. The temperature of the colors defines the sense of space and depth.

“Torre Eiffel con Árboles” y “Autorretrato” de Robert Delaunay

Este artista de origen francés pintó innumerables cuadros con la Torre Eiffel como motivo. Este es uno de mis favoritos. En esta obra, el autor nos presenta la torre vista a través de árboles que se interponen en nuestro campo visual, ocultándola parcialmente. La pintura contiene elementos cubistas —líneas rectas, la deconstrucción de la torre—. Delaunay es considerado el primer pintor que combinó colores vivos con el cubismo, algo que quizás se aprecia aún mejor en otra de sus versiones de la Torre Eiffel.

Si están en Nueva York, pueden verla en el Solomon R. Guggenheim Museum, en la 5ª Avenida. No se pierdan las vistas del Central Park, justo frente al museo. Pueden verla aquí.

La segunda pintura de este post es el autorretrato de Delaunay, que se encuentra en el Musée National d’Art Moderne (Centre Pompidou) de París. Deténganse a observar esta obra con atención y notarán que el artista no pintó líneas ni bordes. Toda la composición está definida por manchas de color organizadas para delinear las facciones del autor. La temperatura de los colores define el espacio y la profundidad.

"The Fable of Arachne" or “The Spinners” by Diego Velázquez ("Las Hilanderas")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

"The Fable of Arachne" or “The Spinners” by Diego Velázquez

This masterpiece by Velázquez, painted around 1650, depicts through an everyday scene a vivid reflection of the social and economic inequalities of the time. The spinners —skilled working women of humble origin— earn a meager living through hard labor. Their simple clothing and, in particular, the fact that they are barefoot, allude to the poverty in which they live.

The situation of the spinners contrasts sharply with the background scene, where noblewomen, dressed in lavish garments, admire a tapestry woven by the workers. The lady on the right looks on with interest as the spinners carry out their work.

What I find most fascinating about this painting is that Velázquez used the recreation of a Greek fable —that of Pallas and Arachne, from Book VI of Ovid’s Metamorphoses— to portray the actions of the spinners. In the fable, the goddess Pallas (Athena), depicted as the elderly woman in the painting, competes with Arachne to determine who is the more skillful weaver.

This painting is housed in Madrid, at the Museo del Prado.

“Las Hilanderas” de Diego Velázquez

Esta obra maestra de Velázquez presenta, a través de una escena cotidiana de alrededor de 1650, una clara imagen de las diferencias sociales y económicas de la época. Las hilanderas —trabajadoras especializadas, plebeyas— se ganan una vida mísera con gran esfuerzo. Sus ropas sencillas y, en particular, el hecho de que estén descalzas alude a la pobreza en la que viven.

La situación de las hilanderas contrasta con la escena del fondo, donde mujeres de la nobleza, vestidas con todo lujo, admiran un tapiz producido por las trabajadoras. La dama situada a la derecha observa con interés a las hilanderas en plena labor.

Lo interesante de esta obra, en mi opinión, es que Velázquez utilizó la recreación de una fábula griega —la de Palas y Aracne, del libro VI de Las Metamorfosis de Ovidio— para representar las acciones de las hilanderas. En dicha fábula, la diosa Palas (Atenea), representada como la anciana en el cuadro, compite con Aracne para ver quién es la mejor tejedora.

Esta obra se encuentra en Madrid, en el Museo del Prado.

“Deer in the Monastery Garden” by Franz Marc ("Ciervos en el jardin del monasterio")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Deer in the Monastery Garden” by Franz Marc

Another masterpiece by Marc. Using a palette that blends the greens of the landscape with the light, flowers, and the animal itself, the painter creates a scene in which a deer merges seamlessly with its surroundings. The faint moon on the left side of the painting suggests a nocturnal setting. The deer’s posture —alert, startled— is typical of these animals in the wild.

If you happen to be in Munich, Germany, you can find it at the Städtische Galerie im Lenbachhaus. While you’re there, cross the street to Königsplatz, where, besides admiring the impressive neoclassical buildings, you’ll find museums dedicated to classical antiquity and Greco-Roman sculpture.

“Ciervos en el jardín del monasterio” de Franz Marc

Otra obra maestra de Marc. Haciendo uso de una escala de colores que fusiona el verde del entorno con la luz, las flores y el propio animal, el pintor presenta una escena en la que un ciervo se mimetiza con su medio ambiente. La luna, apenas visible a la izquierda de la pintura, sugiere que se trata de una escena nocturna. La pose del ciervo —alerta, sorprendido— es típica de estos animales en estado salvaje.

Si están por Múnich, Alemania, pueden verla en la Städtische Galerie im Lenbachhaus. Si visitan ese museo, crucen la calle y acérquense a Königsplatz, donde además de admirar imponentes edificios antiguos, encontrarán museos dedicados a la antigüedad clásica y a la escultura grecorromana.

“Dance II” and “Music” by Henri Matisse ("Baile II" y "Música")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Dance II” and “Music” by Henri Matisse

These two works are complementary, representing two closely connected forms of cultural expression: music and dance. Originally commissioned by a Russian collector, “Dance II” depicts a scene in which the movement of the figures is rendered with a fluidity that only a master like Matisse could achieve. The circle gives the impression of a round dance where the dancers move at such speed that two of them momentarily lose contact.

“Music” is somewhat more mysterious. Two figures play wind instruments while three others gaze directly at the viewer. In my opinion, these three seated figures are the same dancers from “Dance II”, waiting for their turn to join the dance. Both paintings were originally displayed together in the same room of the collector’s home.

When you visit St. Petersburg, Russia, be sure to stop by the Hermitage Museum, where these works are exhibited. And if you’re in New York, you can find another version of “Dance” at the Museum of Modern Art (MoMA), featuring a different color palette.

“El Baile II” y “La Música” de Henri Matisse

Estas dos obras son complementarias y representan dos expresiones culturales íntimamente relacionadas: la música y la danza. Originalmente pintadas por encargo de un coleccionista ruso, “El Baile II” nos presenta una escena en la que el movimiento de los sujetos se resuelve con una soltura que solo un maestro como Matisse podía lograr. El círculo transmite la sensación de una ronda en la que los bailarines se mueven a gran velocidad, hasta el punto de que dos de ellos pierden contacto momentáneamente.

“La Música” es una obra algo más enigmática. Dos figuras tocan instrumentos de viento mientras otras tres miran al espectador. En mi opinión, estos tres personajes sentados son los mismos bailarines de “El Baile II”, que esperan su turno para unirse a la danza. Ambas pinturas se encontraban originalmente en la misma habitación del coleccionista que las encargó.

Si visitan San Petersburgo, Rusia, no dejen de recorrer el Museo Hermitage, donde se encuentran estas obras. Y si están en Nueva York, en el Museum of Modern Art (MoMA) podrán ver otra versión de “El Baile”, con una escala de color diferente.