"The Dance of Life" by Edvard Munch ("El baile de la vida")

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“The Dance of Life” by Edvard Munch

In this painting, the couples dance—living their lives. They reveal themselves and, both individually and as couples, fulfill the roles expected of them and meet social expectations.

The couple dancing at the center is flanked by two figures awaiting their turn to dance or interact with them: the figure in white represents life (perhaps children or the future), while the figure in black symbolizes death, ever-present and unavoidable.

Analysts have often interpreted the moon and its reflection in the water as a symbol of fertility. I disagree. In my view, it refers to the ephemeral and circumstantial, highlighting the fragility of our present life and the inevitability of change and eventual cessation.

If you happen to be in Oslo, Norway, you can see this painting at the National Gallery.

“El baile de la vida”, de Edvard Munch

En esta pintura, las parejas bailan, viviendo su vida. Se muestran tal como son y, tanto individualmente como en pareja, cumplen los roles que se esperan de ellos y satisfacen las expectativas sociales.

La pareja que baila en el centro está flanqueada por dos figuras que esperan su turno para bailar o interactuar con ellos: la figura vestida de blanco representa la vida (tal vez los hijos o el futuro), mientras que la figura en negro simboliza la muerte, omnipresente e inevitable.

Los analistas han interpretado con frecuencia la luna y su reflejo en el agua como un símbolo de fertilidad. Yo discrepo. En mi opinión, hace referencia a lo efímero y circunstancial, señalando la fragilidad de nuestra vida presente y la certeza de que todo cambiará y eventualmente cesará.

Si se encuentran en Oslo, Noruega, pueden ver esta pintura en la Galería Nacional.

"Venus, Cupid, Folly and Time" by Angelo Bronzino ("Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo”)

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“Venus, Cupid, Folly and Time” by Agnolo Bronzino

This painting, created in the mid-1500s, likely served as a moral lesson about the consequences of irresponsible sexual behavior.

Venus, the goddess of love and sexuality, and Cupid present the pleasures of sex to an inexperienced young man. The figure drawing back the curtain—Time—reveals the unwanted consequences of licentiousness: the man on the left suffers from syphilis.

If you happen to be in London soon, you can see this painting at the National Gallery. After visiting the gallery, a coffee in Covent Garden followed by dinner in one of the many colorful restaurants of Soho comes highly recommended.

“Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo”, de Agnolo Bronzino

Esta pintura, realizada a mediados del siglo XVI, probablemente tenía como objetivo educar sobre las consecuencias de la conducta sexual irresponsable.

Venus, diosa del amor y la sexualidad, y Cupido muestran a un joven inexperto los placeres del sexo. La figura que corre el cortinaje—el Tiempo—revela las consecuencias no deseadas de la lujuria: el hombre a la izquierda está enfermo de sífilis.

Si planean visitar Londres pronto, pueden ver esta obra en la National Gallery. Tras recorrer la galería, se recomienda un café en Covent Garden y una cena en alguno de los coloridos restaurantes de Soho.

"Death and Fire" by Paul Klee ("Muerte y fuego")

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“Death and Fire” by Paul Klee

This painting was created at the beginning of World War II. The dominant figure, the skull at the center, represents not only death but also literally spells out the word “death”: the mouth, nose, and eyes form the German word TOD (“death”).

Three elements complete the story: the sun, symbolizing the fire and heat of the bombs; the humanoid figure on the right, a fragile, ephemeral, identity-less figure representing the millions who would die under the bombs; and the spikes of the trident over the skull, which in my view represent the three powers dominating Europe at the time—Germany, the UK, and Russia—responsible for unleashing the conflict and the ensuing wave of death and fire.

If you happen to be in Bern, Switzerland, you can see this painting at the Zentrum Paul Klee. My recommendation: rent a car in Bern, drive 25 minutes southeast to Linden for a ski session, and crown the day with a cheese fondue.

“Muerte y fuego”, de Paul Klee

Esta pintura fue realizada al inicio de la Segunda Guerra Mundial. La figura dominante, el cráneo en el centro, representa no solo la muerte, sino que además forma la palabra TOD (“muerte” en alemán) con la boca, la nariz y los ojos.

Tres elementos completan la narrativa: el sol, que simboliza el fuego y el calor de las bombas; la figura humanoide a la derecha, frágil, efímera y sin identidad, que representa a los millones que morirían bajo las bombas; y las puntas del tridente sobre el cráneo, que, en mi opinión, representan a las tres potencias que dominaban Europa en ese momento—Alemania, Reino Unido y Rusia—responsables de desencadenar el conflicto y la ola de muerte y fuego que siguió.

Si se encuentran en Berna, Suiza, pueden ver esta obra en el Zentrum Paul Klee. Mi recomendación: alquilen un coche en Berna, conduzcan 25 minutos hacia el sureste hasta Linden para esquiar y terminen el día con una fondue de queso.

"The Tragedy" or "Poor People on the Seashore" by Pablo Picasso (“La Tragedia” o “Pobres en la playa”)

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“The Tragedy” or “Poor People on the Seashore” by Pablo Picasso

The three figures in this painting are extremely poor, evident from their bare feet, ragged clothing, and emaciated bodies. However, the true meaning of the work lies in their attitudes and surroundings.

The adults, looking downcast and hopeless, seem to understand that their poverty—and possibly the child’s—is irreversible. The child, by contrast, has a different perspective: the position of his hand and his expression suggest that he is trying to change the adults’ outlook and offer them consolation.

The child represents the future, where hope persists, but also innocence and a lack of understanding. This raises a profound question: is hope present because there is time to act, or because of a limited understanding of the situation? For these poor figures, is hope rational or not?

The beach and ocean symbolize the vast desolation of the poor and their permanent lack of resources. Their poverty, despair, and circumstances form the core of the tragedy—Picasso’s title—which he viewed as a persistent, global issue affecting millions.

If you happen to be in Washington, D.C., you can see this painting at the National Gallery. Don’t miss the Leonardo da Vinci also on display there.

“La tragedia” o “Pobres en la playa”, de Pablo Picasso

Las tres figuras de esta pintura son extremadamente pobres, como lo indican sus pies descalzos, su ropa harapienta y su delgadez extrema. Sin embargo, el verdadero significado de la obra se encuentra en sus actitudes y en el entorno que los rodea.

Los adultos, cabizbajos y desesperanzados, parecen comprender que su pobreza—y probablemente la del niño—es irreversible. El niño, en cambio, tiene otra perspectiva: la posición de su mano y su expresión sugieren que intenta cambiar la visión de los adultos y consolarlos.

El niño representa el futuro, donde la esperanza siempre está viva, pero también la inocencia y la falta de conocimiento. Esto plantea una pregunta importante: ¿existe la esperanza porque hay tiempo para actuar o por un entendimiento limitado de la situación? ¿Es racional la esperanza para estas personas pobres?

La playa y el océano simbolizan la profunda desolación de los pobres y su permanente carencia de recursos. Su pobreza, su desesperanza y las circunstancias en las que se encuentran constituyen la tragedia (como indica el título de la pintura) de nuestro tiempo. Para Picasso, la pobreza es una tragedia permanente, ubicua y real, que afecta a millones en todo el mundo.

Si se encuentran en Washington, D.C., pueden ver esta pintura en la National Gallery. No se pierdan también el Leonardo da Vinci que se exhibe en esa galería.

"Deer in the Forest II" by Franz Marc ("Ciervos en el bosque II")

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“Deer in the Forest II” by Franz Marc

This painting depicts, through an impossible spectrum of colors, a group of deer camouflaged within the forest. The artwork shows an entire family of deer, partly alert, partly surprised, capturing the natural vigilance of these animals in their environment. Those who have been fortunate enough to see deer in the wild will likely find this painting evocative of that experience.

Although Marc painted several works with similar color schemes and often focused on animals, this piece stands out for its use of light and shadow. Notice how the sunlight enters the forest diagonally from the top-left corner, dividing the composition into three distinct areas.

A related painting by the same artist is Stables.

“Ciervos en el bosque II”, de Franz Marc

Esta pintura muestra, a través de un espectro de colores imposible, un grupo de ciervos camuflados en el bosque. La obra representa a toda una familia de ciervos, en parte alerta y en parte sorprendida, capturando la vigilancia natural de estos animales en su entorno. Aquellos que hayan tenido la suerte de ver ciervos en la naturaleza seguramente encontrarán en esta pintura un recuerdo evocador de esa experiencia.

Aunque Marc pintó varias obras con esquemas de color similares y con animales como tema recurrente, esta pieza es particularmente única por su manejo de la luz y las sombras. Observa cómo la luz del sol entra en el bosque diagonalmente desde la esquina superior izquierda, dividiendo la composición en tres áreas distintas.

Una pintura relacionada del mismo autor es Establos.

"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon ("Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión")

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“Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon

The crucifixion is an atrocious act that evokes profound emotions. Each of the three figures in this triptych represents a different response to the event: the figure on the left is overwhelmed, the central figure is horrified, and the figure on the right expresses pain and desperation. The crucifixion itself is not depicted; only the intense emotions it provokes are shown, which may be the most compelling aspect of these paintings.

If you examine the perspective of the room, revealed by the walls, you will notice that the three figures surround the viewer in a triangular formation. They occupy the base of our own crucifixion—our own life. The horror and suffering expressed by the figures confront us directly, reflecting the pain of our own human existence. I've had to privilege of standing in front of many paintings in my lifetime, and this is one of the most amazing paintings I've ever seen. It's magnetism resides in the fact that you become part of the scene as you contemplate the figures. 

If you happen to be in London, England, you can see these paintings at the Tate Gallery. However, their display is not guaranteed, as the works frequently travel as part of special exhibitions and are often loaned to other galleries worldwide.

“Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión” de Francis Bacon.

La crucifixión es un acto atroz que despierta emociones profundas. Cada una de las tres figuras del tríptico representa una reacción diferente ante el evento: la figura de la izquierda está abrumada, la del centro horrorizada y la de la derecha expresa dolor y desesperación. La crucifixión en sí no está representada; solo se muestran las intensas emociones que provoca, lo cual quizá sea el aspecto más interesante de estas pinturas.

Si se observa la perspectiva del espacio, revelada por las paredes, se nota que las tres figuras rodean al espectador formando un triángulo. Ocupan la base de nuestra propia crucifixión: nuestra propia vida. El horror y el sufrimiento expresados por las figuras nos confrontan directamente, reflejando el dolor existencial de la experiencia humana. He tenido el privilegio de haber visto mucho arte en mi vida, y esta es una de las pinturas más increíbles que he visto. Su magnetismo reside en el hecho de que te conviertes en parte de la escena mientras contemplas las figuras.

Si se encuentran en Londres, Inglaterra, pueden ver estas pinturas en la Tate Gallery. Sin embargo, su exhibición no está garantizada, ya que estas obras viajan con frecuencia como parte de exposiciones especiales y suelen ser prestadas a otras galerías en todo el mundo.

"Prostitute before her mirror" by George Rouault ("Prostituta frente a su espejo")

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“Prostitute Before Her Mirror” by Georges Rouault

This 1906 painting highlights the contrast between what we want others to see and what is actually revealed.

The woman in front of the mirror sees a reflection of herself that is more youthful and curvaceous than her real body. Given her profession, this distorted perception alludes to the hope she invests in her physical beauty, which is gradually fading over time.

Another notable detail is the sad expression of the reflected image. It differs from the real woman’s face, which is more neutral, concealing her inner sadness.

The entire scene reflects the contradictions inherent in how our perception of reality is shaped by what we—and others—want to see. Often, true feelings and intentions remain hidden beneath the surface.

If you happen to be in Paris, you can see this painting at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (not to be confused with the Centre Pompidou).

“Prostituta frente a su espejo”, de Georges Rouault

Esta pintura de 1906 presenta el contraste entre lo que queremos que los demás vean y lo que realmente se muestra.

La mujer frente al espejo se ve reflejada con un cuerpo más joven y curvilíneo que el suyo propio. Dada su profesión, esta distorsión en la percepción de la realidad alude a la esperanza que deposita en la belleza física que va perdiendo con el paso del tiempo.

Otro detalle interesante es la expresión triste de la imagen reflejada en el espejo. No coincide con el rostro de la mujer “real”, cuya expresión es más neutral, ocultando su tristeza.

Toda la escena alude a las contradicciones inherentes a cómo nuestra percepción de la realidad está condicionada por lo que queremos mostrar y lo que otros esperan ver. A menudo, los verdaderos sentimientos e intenciones permanecen ocultos.

Si se encuentran en París, pueden ver esta pintura en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (no confundir con el Centre Pompidou).