"The Medical Inspection" by Henri de Toulouse-Lautrec - ("El examen medico, Rue des Moulins")

Spanish translation below - Traduccción al Español mas abajo 

"The Medical Inspection" by Henri Toulouse-Lautrec

In the late 1800s, Toulouse-Lautrec scandalized Paris by portraying the people and everyday life of the neighborhoods where variety theaters, cabarets, and brothels thrived.

The Medical Inspection is shocking for the rawness of its subject. Two prostitutes await their turn as a third woman undergoes an examination to ensure she shows no visible signs of venereal disease. We can only speculate, but it is unlikely that the examiner is a doctor — most probably, she is the madam who runs the establishment.

If you’re in Detroit, you can see this work at the Detroit Institute of Arts. And if you’re visiting the area with children, don’t miss the Michigan Science Center, just around the corner.

Painted in 1894, The Medical Inspection (also known as Rue des Moulins: The Medical Inspection) exemplifies Toulouse-Lautrec’s commitment to a candid, unidealized vision of life in Paris’s maisons closes (official brothels). Unlike the theatrical glamour of his colorful cabaret posters, here he uses a muted, somber palette and loose brushwork to emphasize the emotional weight of the scene — two women paused between moments of work, their bodies and expressions stripped of fantasy. The work’s vertical composition and everyday realism place it firmly in the Post-Impressionist tradition, where portraying modern life with psychological depth was increasingly valued.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) was born into French aristocracy but found his true world in the bohemian subculture of Montmartre, where he became a central figure in the vibrant mix of artists, performers, and marginalized workers. Despite severe physical disabilities caused by childhood accidents, he pursued art in Paris, befriending fellow radicals and absorbing influences from Impressionism while pushing beyond its conventions. His fascination with nightlife — from the bright lights of the Moulin Rouge to the intimacy of private rooms — resulted in works that combine empathy with unflinching honesty, revealing the humanity behind stigma and spectacle. 

While The Medical Inspection itself remains in museum collections and has not appeared at auction recently due to its institutional ownership, works by Toulouse-Lautrec continue to be highly prized in the art market. Many of his cabaret posters and intimate brothel scenes have fetched multi-million dollar prices at auction, reflecting both their historical significance and broad appeal. For example, other paintings and lithographs by Lautrec, like his vivid portrayals of performers and nightlife, have achieved strong results at major houses such as Christie’s and Sotheby’s, where collectors compete for pieces that capture the spirit of late-19th-century Paris. 

Traduccción al Español

"El exámen medico, Rue des Moulins" de Henri de Toulouse-Lautrec

A fines del siglo XIX, Toulouse-Lautrec escandalizó a París al retratar a los personajes y escenas cotidianas de los barrios donde prosperaban los teatros de variedades, los cabarets y los burdeles.

La inspección médica resulta impactante por la crudeza de la situación. Dos prostitutas esperan su turno mientras una tercera es examinada para comprobar que no presenta signos visibles de enfermedades venéreas. Solo podemos suponerlo, pero es poco probable que la persona que realiza la revisión sea un médico; lo más probable es que sea la madama que dirige el lugar.

Si estás en Detroit, puedes ver esta obra en el Instituto de Artes de Detroit (Detroit Institute of Arts). Y si visitas la zona con niños, no dejes de pasar por el Michigan Science Center, justo a la vuelta de la esquina.

Pintado en 1894, La inspección médica (también conocido como Rue des Moulins: La inspección médica) ejemplifica el compromiso de Toulouse-Lautrec con una visión franca y sin idealizaciones de la vida en los maisons closes (burdeles oficiales). A diferencia del glamour teatral de sus coloridos carteles de cabaret, aquí utiliza una paleta apagada y una pincelada suelta para enfatizar el peso emocional de la escena: dos mujeres suspendidas entre momentos de trabajo, sus cuerpos y expresiones libres de fantasía. La composición vertical y el realismo cotidiano sitúan esta obra en la tradición posimpresionista, donde retratar la vida moderna con profundidad psicológica era cada vez más valorado.

Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901) nació en la aristocracia francesa, pero encontró su verdadero mundo en la subcultura bohemia de Montmartre, donde se convirtió en una figura central entre artistas, intérpretes y trabajadores marginados. A pesar de graves discapacidades físicas causadas por accidentes en su infancia, siguió su formación artística en París, relacionándose con radicales y absorbiendo influencias del impresionismo mientras las superaba. Su fascinación por la vida nocturna —desde las luces brillantes del Moulin Rouge hasta la intimidad de habitaciones privadas— dio lugar a obras que combinan empatía con honestidad, revelando la humanidad detrás del estigma y el espectáculo. 

Aunque La inspección médica permanece en colecciones museísticas y no ha aparecido recientemente en subastas debido a su propiedad institucional, las obras de Toulouse-Lautrec continúan siendo muy valoradas en el mercado del arte. Muchas de sus litografías y escenas íntimas de burdeles han alcanzado precios de varios millones de dólares en casas de subastas como Christie’s y Sotheby’s, reflejando tanto su importancia histórica como su atractivo general.

"The Sleeping Gypsy" by Henri Rousseau - ("La Gitana Durmiente")

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“The Sleeping Gypsy” by Henri Rousseau

It is not entirely clear what Rousseau intended to convey with this scene. In a letter, he described it as follows:

“A nomadic Black woman playing the mandolin rests beside her jug (a vase of water), overcome by fatigue and deep in sleep. A lion happens to pass by, catches her scent but does not devour her. There is a moonlight effect — very poetic.”

Beyond this cryptic description, I find the meaning in the tension between the latent threat and the fragile calm — the power dynamic embodied by the lion sniffing around the sleeping gypsy. The gypsy represents the artist: alone, with almost nothing — her instrument, her water, her clothing — while the force of authority looms nearby, watchful and menacing, inspecting her even in her most vulnerable state.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Museum of Modern Art (MoMA). While you’re there, don’t miss another of Rousseau’s masterpieces, The Dream.

The Sleeping Gypsy was painted in 1897, during a period when Rousseau was beginning to gain attention for his singular artistic voice. Although entirely self-taught, he persisted in submitting his work to the Salon des Indépendants, a jury-free exhibition space that embraced unconventional art — and in 1897, this painting was shown there to a skeptical public. His naïve style — its flat planes of color, simplified forms, and dreamlike atmosphere — was often mocked by critics who saw it as untrained or childlike; yet this very quality would later become influential among avant-garde circles. Encyclopedia Britannica+1

The world The Sleeping Gypsy evokes is both timeless and evocative of fin-de-siècle curiosity about exotic worlds and the subconscious. The lone figure, wrapped in a vividly striped garment, lies in a stark, arid landscape under a glowing full moon — a setting that suggests poetic mystery rather than literal geography. The painting’s unlikely juxtaposition of serene inactivity and latent danger encapsulates the imaginative freedom of the time, when Symbolism and emerging modernist tendencies encouraged artists to explore psychological and poetic realms beyond strict realism. Wikipedia

Regarding its history and ownership, The Sleeping Gypsy had an unpredictable journey before achieving acclaim. After its initial exhibition failed to secure a buyer, Rousseau offered it to the mayor of his hometown — Laval — but was turned down. It then sat in a Parisian charcoal merchant’s collection until 1924, when the influential critic Louis Vauxcelles rediscovered it. The piece passed through several hands before being sold at auction at Hôtel Drouot in 1926. Eventually, it was acquired by Mrs. Simon Guggenheim, who donated it to MoMA in 1939, where it remains one of the museum’s most beloved treasures.

Traduccción al Español

“La gitana dormida”, de Henri Rousseau

No está del todo claro qué quiso expresar Rousseau con esta escena. En una carta, el propio artista la describió así:

“Una mujer negra nómada que toca la mandolina descansa junto a su cántaro (un jarrón con agua), vencida por el cansancio y sumida en un profundo sueño. Un león pasa por allí, percibe su olor pero no la devora. Hay un efecto de luz de luna, muy poético.”

Más allá de esta descripción enigmática, para mí el sentido de la obra reside en la tensión entre la calma y la amenaza latente, en la dinámica de poder representada por el león que olfatea a la gitana dormida. La gitana simboliza al artista: sola, con casi nada —su instrumento, su agua, su ropa—, mientras la fuerza de la autoridad la rodea, vigilante y amenazante, examinándola incluso en su momento de mayor vulnerabilidad.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta pintura en el Museo de Arte Moderno (MoMA). Y si visitas ese museo, no dejes de ver otra obra del mismo autor: El sueño.

La gitana dormida fue pintada en 1897, durante un período en que Rousseau empezaba a llamar la atención por su voz artística singular. Aunque completamente autodidacta, persistió en presentar su trabajo al Salón de los Independientes, un espacio expositivo sin jurado que acogía el arte no convencional — y en 1897 esta pintura se mostró allí ante un público escéptico. Su estilo naïf — con planos de color planos, formas simplificadas y una atmósfera onírica — fue a menudo ridiculizado por críticos que lo veían como inmaduro o infantil; sin embargo, esa misma cualidad resultaría influyente entre círculos de vanguardia. Encyclopedia Britannica+1

El mundo que evoca La gitana dormida es tanto atemporal como evocador de la curiosidad finisecular sobre mundos exóticos y el subconsciente. La figura solitaria, envuelta en una prenda de vivos colores, yace en un paisaje árido bajo una luna llena brillante — un escenario que sugiere un misterio poético más que una geografía literal. La insólita yuxtaposición entre la inactividad serena y el peligro latente encapsula la libertad imaginativa de la época, cuando el Simbolismo y las tendencias modernistas emergentes animaban a los artistas a explorar reinos psicológicos y poéticos más allá del realismo estricto. Wikipedia

Respecto a su historia y propiedad, La gitana dormida tuvo un recorrido impredecible antes de alcanzar el reconocimiento. Tras su exhibición inicial, que no logró venderla, Rousseau ofreció la obra al alcalde de su ciudad natal — Laval — pero fue rechazada. Luego permaneció en la colección de un comerciante de carbón parisino hasta 1924, cuando el influyente crítico Louis Vauxcelles la redescubrió. La obra pasó por varias manos antes de venderse en subasta en el Hôtel Drouot en 1926. Finalmente, fue adquirida por la señora Simon Guggenheim, quien la donó al MoMA en 1939, donde sigue siendo una de las piezas más queridas del museo.

"Circus Sideshow" by Georges Seurat - (“La Parada del Circo” o “El Show del Circo”)

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“Circus Sideshow” by Georges Seurat

One of the most remarkable aspects of this painting is the technique used in its creation: pointillism. Seurat was the leading proponent of this method, which involves applying small dots of pure color to the canvas. These dots, when viewed from a distance, visually blend to form shapes, textures, and tones — without the use of traditional lines or solid blocks of color.

What I find most captivating about this work is its composition. The scene unfolds at a nighttime fair, illuminated only by the limited artificial light available in the late 1800s. On the right stands the circus director; on the left, the musicians; and below, the audience — potential spectators of the show. The careful placement of each figure in relation to the others creates a perfectly balanced composition, the kind only a master like Seurat could achieve.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Metropolitan Museum of Art. While there, don’t miss another of Seurat’s works: Study for “A Sunday on La Grande Jatte.”

In Circus Sideshow (original French title Parade de cirque), Seurat depicted the parade or street sideshow set up by the Circus Corvi at the annual Gingerbread Fair in the working-class district around Place de la Nation in Paris. This painting is significant as Seurat’s first nocturnal scene and his first major depiction of popular entertainment, a dramatic shift from the sunlit leisure activities found in many Impressionist works. 

Seurat’s career was short but impactful. Born in Paris in 1859, he became one of the leading figures of Neo-Impressionism before his untimely death in 1891 at just 31 years old. His scientific interest in color and vision led not only to pointillism but also influenced younger avant-garde movements — including the Fauves, Cubists, Futurists, and Orphists — who admired his precision and compositional innovations. 

Regarding its history and ownership, Circus Sideshow was first shown at the Salon des Indépendants in Paris (1888) alongside other works by Seurat but was not widely admired at the time. After Seurat’s death, it was sold from his estate around 1900 and later acquired by American art collector Stephen C. Clark. In 1960 Clark bequeathed the painting to The Metropolitan Museum of Art, where it remains on view today.

Traduccción al Español

“Parada de circo”, de Georges Seurat

Uno de los aspectos más notables de esta pintura es la técnica utilizada en su ejecución: el puntillismo. Seurat fue el principal defensor de este método, que consiste en aplicar pequeños puntos de color puro sobre el lienzo. Estos puntos, al ser observados desde cierta distancia, se fusionan visualmente para formar figuras, texturas y tonos, sin recurrir a líneas o manchas sólidas de color.

Lo que más me cautiva de esta obra es su composición. La escena transcurre en una feria nocturna, iluminada solo por la escasa luz artificial disponible a fines del siglo XIX. A la derecha se encuentra el director del circo; a la izquierda, los músicos; y en la parte inferior, el público —posibles espectadores del espectáculo—. La disposición precisa de cada figura en relación con las demás crea una composición perfectamente equilibrada, de una armonía que solo un maestro como Seurat podía lograr.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta pintura en el Museo Metropolitano de Arte (Metropolitan Museum of Art). Y mientras estés allí, no dejes de observar otra obra del mismo autor: Estudio para “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte.”

En La parada del circo (título original en francés Parade de cirque), Seurat representó la parada o espectáculo callejero organizado por el Circo Corvi en la feria anual de pan de jengibre en el distrito popular alrededor de la Place de la Nation en París. Esta pintura es significativa por ser la primera escena nocturna de Seurat y su primera gran representación del entretenimiento popular, un cambio impactante con respecto a las actividades al aire libre iluminadas por el sol que aparecen en muchas obras impresionistas. 

La carrera de Seurat fue breve pero significativa. Nacido en París en 1859, se convirtió en una de las figuras principales del neoimpresionismo antes de su prematura muerte en 1891 a los 31 años. Su interés científico por el color y la visión condujo no solo al puntillismo, sino también a influir en movimientos vanguardistas más jóvenes — incluidos los fauvistas, cubistas, futuristas y orfistas — quienes admiraban su precisión y sus innovaciones en composición. 

En cuanto a su historia y propiedad, La parada del circo se expuso por primera vez en el Salon des Indépendants de París (1888) junto con otras obras de Seurat, aunque en ese momento no recibió mucha admiración. Tras la muerte de Seurat, fue vendida alrededor de 1900 desde su patrimonio y posteriormente adquirida por el coleccionista de arte estadounidense Stephen C. Clark. En 1960 Clark legó la pintura al Metropolitan Museum of Art, donde sigue expuesta en la actualidad. 

"Man on the Veranda" by Alex Colville - ("Hombre en el balcón (o terraza)")

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“Man on the Veranda” by Alex Colville

This painting by the renowned Canadian artist presents a scene that suggests a reality far deeper than what first meets the eye. An elderly man, whose life largely belongs to the past, contemplates the vast serenity of the sea, accompanied by a cat.

He seems to be reminiscing, revisiting moments from his life. Perhaps he is assessing his existence, reflecting on what has been lived and lost. Maybe he is remembering those who are no longer present. In my view, the cat symbolizes the space once occupied by a companion who is no longer at his side.

Before the calm, endless blue of the sea, the old man quietly awaits his own end — with nothing left but memories and the faint presence of what once was.

Unfortunately, this painting is held in a private collection in Germany.

Man on the Veranda was painted in 1953 in glazed tempera on board, a technique that gives the scene a clear yet subtle surface, reinforcing the quiet, meditative mood of the composition. The verandah extends into the picture like a quiet threshold between domestic space and the vast sea beyond, suggesting both separation and connection between the internal life of the figure and the external world he contemplates. Art historians associate this work with Magic Realism, an approach that blends precise, representational detail with an atmosphere of psychological depth and stillness.

Alex Colville (1920–2013) was one of Canada’s most influential painters, known for compositions that fuse stark realism with ambiguous, almost existential undertones. Born in Toronto and raised in Nova Scotia, he studied at Mount Allison University and served as a war artist during WWII before becoming a respected teacher and, later, a full-time painter. His work often explores themes of time, memory, human relationships, and the interplay between figures and landscape, earning him honours such as the Companion of the Order of Canada and the Governor General’s Award in Visual and Media Arts.

Man on the Veranda also has a notable place in the art market: in November 2010 it sold at auction for well over $1 million, setting a record at the time for a living Canadian artist’s work — far exceeding pre-sale estimates and highlighting the esteem in which collectors hold Colville’s work.

Traduccción al Español

“Hombre en la veranda”, de Alex Colville

Esta pintura del renombrado artista canadiense nos muestra una escena que sugiere una realidad mucho más profunda de lo que parece a simple vista. Un hombre mayor, cuya vida pertenece en gran parte al pasado, contempla la vasta serenidad del mar, acompañado por un gato.

Parece estar recordando, reviviendo momentos de su vida. Tal vez está evaluando su existencia, reflexionando sobre lo vivido y lo perdido. Quizás recuerda a quienes ya no están presentes. En mi opinión, el gato simboliza el espacio que una vez ocupó un compañero que ya no está a su lado.

Frente a la calma y el azul infinito del mar, el anciano espera silenciosamente su propio final, con nada más que sus recuerdos y la débil presencia de lo que alguna vez fue.

Lamentablemente, esta pintura forma parte de una colección privada en Alemania.

Hombre en la veranda fue pintado en 1953 con temple vidriada sobre tabla, una técnica que da a la escena una superficie clara y sutil, reforzando el estado de quietud meditativa de la composición. La veranda se extiende en la imagen como un umbral tranquilo entre el espacio doméstico y el vasto mar más allá, sugiriendo tanto separación como conexión entre la vida interna de la figura y el mundo exterior que contempla. Los historiadores del arte asocian esta obra con el Realismo Mágico, un enfoque que combina un detalle representacional preciso con una atmósfera de profundidad psicológica y quietud.

Alex Colville (1920–2013) fue uno de los pintores más influyentes de Canadá, conocido por composiciones que fusionan un realismo severo con matices ambiguos, casi existenciales. Nacido en Toronto y criado en Nueva Escocia, estudió en la Universidad Mount Allison y sirvió como artista de guerra durante la Segunda Guerra Mundial antes de convertirse en un respetado profesor y, más tarde, en pintor a tiempo completo. Su obra explora a menudo temas como el tiempo, la memoria, las relaciones humanas y la interacción entre figuras y paisaje, lo que le valió honores como el Compañero de la Orden de Canadá y el Premio de Artes Visuales y Medios del Gobernador General.

Hombre en la veranda también tiene un lugar notable en el mercado del arte: en noviembre de 2010 se vendió en una subasta por más de $1 millón, estableciendo un récord en su momento para una obra de un artista canadiense vivo, muy por encima de las estimaciones previas, lo que destaca la estima que los coleccionistas tienen por la obra de Colville.

"The human condition" by Rene Magritte - ("La condición humana")

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“The Human Condition” by René Magritte

This painting presents an optical illusion: the image on the easel appears to blend seamlessly with the background. According to the artist, “the human condition” is such that the reality surrounding us is always constructed through our perception and interpretation. In this work, the real landscape and its depiction become equivalent.

In this particular landscape, there is no evident conflict between perception and reality; the subject is simple and requires little interpretation. Yet one can easily imagine the potential for multiple interpretations when confronted with a more complex object, situation, idea, or event.

This painting is part of the collection at the National Gallery in Washington, D.C., USA. If you visit, don’t miss Johannes Vermeer’s Woman Holding a Balance.

Magritte painted multiple works entitled The Human Condition during the 1930s and 1940s, each exploring the very idea of representation and reality. The best-known version in the National Gallery of Art was completed in 1933 and is executed in oil on canvas, measuring approximately 100 × 81 cm. In placing a painted canvas directly in front of a real view through a window, Magritte deliberately blurs the distinction between what is “real” and what is an artistic depiction, forcing the viewer to question where one ends and the other begins — a key concern in surrealism’s challenge to rational, everyday perception. 

René Magritte was a Belgian surrealist born in 1898 whose early work was influenced by cubism and futurism before he embraced surrealism in the late 1920s. His art became known for its sharp, representational style that nonetheless depicted seemingly impossible scenarios — everyday objects in uncanny juxtapositions that destabilize assumptions about the world. Unlike some surrealists who emphasized loose, automatic techniques, Magritte relied on crisp imagery to heighten the paradoxical tension between the familiar and the strange. 

Created in the shadow of economic turmoil and political unrest in Europe, The Human Condition and related works reflect a period in which artists were redefining how art could engage with subjectivity, psychology, and reality itself. Surrealism — formally launched by André Breton’s 1924 manifesto — was at its peak in the 1930s, encouraging artists to draw on dreams and the unconscious as sources of creativity. Today, Magritte’s work remains intensely relevant, and the market for his paintings has surged: other major works by Magritte have fetched tens of millions at auction, with some nearing or exceeding nine-figure prices, reflecting both the enduring influence and commercial value of his oeuvre.

Traduccción al Español

“La condición humana”, de René Magritte

Esta pintura introduce una ilusión óptica: la imagen sobre el caballete parece fundirse con el fondo. Según el artista, “la condición humana” implica que la realidad que nos rodea se construye siempre a partir de nuestra percepción e interpretación. En esta obra, el paisaje real y su representación se vuelven equivalentes.

En este paisaje en particular no existe un conflicto evidente entre percepción y realidad; el objeto es simple y no requiere interpretación. Sin embargo, es fácil imaginar el potencial de múltiples interpretaciones al enfrentarse a un objeto, situación, idea o acontecimiento más complejo.

Esta pintura forma parte de la colección de la National Gallery en Washington D.C., EE. UU. Si la visitas, no dejes de ver Mujer con balanza de Johannes Vermeer.

Magritte pintó varias obras tituladas La condición humana durante las décadas de 1930 y 1940, cada una explorando la idea misma de la representación y la realidad. La versión más conocida en la National Gallery of Art fue completada en 1933 y está hecha al óleo sobre lienzo, con unas dimensiones de aproximadamente 100 × 81 cm. Al colocar un lienzo pintado directamente frente a una vista real a través de una ventana, Magritte difumina deliberadamente la distinción entre lo “real” y lo que es una representación artística, obligando al espectador a cuestionar dónde termina uno y comienza lo otro — una preocupación clave en el surrealismo por desafiar la percepción racional cotidiana. 

René Magritte fue un artista surrealista belga nacido en 1898, cuya obra temprana estuvo influenciada por el cubismo y el futurismo antes de abrazar el surrealismo a finales de los años 20. Su arte se hizo conocido por su estilo representacional nítido que, sin embargo, mostraba escenas aparentemente imposibles: objetos cotidianos en yuxtaposiciones inquietantes que desestabilizan las suposiciones sobre el mundo. A diferencia de algunos surrealistas que enfatizaban técnicas sueltas o automáticas, Magritte se basó en imágenes claras para intensificar la tensión paradójica entre lo familiar y lo extraño.

Creada en la sombra de la agitación económica y política en Europa, La condición humana y obras relacionadas reflejan un periodo en el que los artistas redefinían cómo el arte podía involucrarse con la subjetividad, la psicología y la realidad misma. El surrealismo — lanzado formalmente por el manifiesto de André Breton en 1924 — estaba en su apogeo en los años 30, animando a los artistas a inspirarse en los sueños y el inconsciente como fuentes de creatividad. Hoy en día, la obra de Magritte sigue siendo intensamente relevante, y el mercado de sus pinturas se ha disparado: otras obras importantes de Magritte han alcanzado decenas de millones en subasta, algunas acercándose o superando cifras de nueve dígitos, lo que refleja tanto la influencia duradera como el valor comercial de su obra. 

“Morning in the Village after a Snowstorm”, by Kazimir Malevich - ("Mañana en la aldea después de la tormenta de nieve")

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“Morning in the Village after a Snowstorm” by Kazimir Malevich

The Russian painter Kazimir Malevich captures a quintessential northern winter scene: peasants trudging along after a heavy snowfall. The colors and tones repeat themselves across the path, the façades of the houses, and the rooftops. The snow equalizes the landscape, erasing distinctions between the homes and their surroundings. Those who have witnessed a true snowstorm will find in this painting something deeply familiar.

If you’re in New York, you can see this work at the Solomon R. Guggenheim Museum. And while you’re there, cross the street into Central Park — at that point you’ll come across the Jacqueline Kennedy Onassis Reservoir, a beautiful feature of the park.

Morning in the Village after a Snowstorm was painted in 1912 as an oil on canvas and is a great example of Malevich’s early Cubo-Futurist style, in which geometric shapes and fragmented planes break down the traditional landscape. Though still representational — showing peasant figures and houses — the forms are stylized and dynamic, hinting at the artist’s gradual move toward abstraction. The combination of crisp reds and muted winter whites creates rhythm and depth, making the scene both familiar and modern. 

Kazimir Severinovich Malevich (1879–1935) was a pioneering Russian avant-garde artist whose work was central to the development of early 20th-century modernism. Born near Kyiv, he studied at the Moscow School of Painting before engaging with contemporary movements such as Impressionism, Symbolism, and ultimately Cubo-Futurism and Suprematism. Suprematism, a movement he founded officially in 1915, sought to transcend representation entirely in favor of pure geometric forms that expressed “the supremacy of pure feeling.” While Morning in the Village after a Snowstorm precedes Malevich’s fully abstract Suprematist works like Black Square, it reflects the artist’s transitional phase — rooted in landscape but experimenting with form and perception.

The period around 1912–1913 in Russia was one of artistic ferment and political upheaval. Avant-garde movements such as Cubo-Futurism absorbed influences from French Cubism and Italian Futurism, yet also sought to express Russian cultural identity and the lived realities of rural life. The depiction of peasants and a snow-blanketed village in this painting can be seen in the broader context of social change just a few years before the Russian Revolution of 1917, when artists increasingly engaged with the tensions and transformations of Russian society. Though Morning in the Village after a Snowstorm itself is in a museum collection rather than the auction market, Malevich’s works — particularly his Suprematist pieces — have seen remarkable interest in the art market, with major works fetching high prices and shaping scholarship and exhibitions globally.

Traduccción al Español

“Mañana en la aldea después de la tormenta de nieve”, de Kazimir Malévich

El pintor ruso Kazimir Malévich representa aquí una escena típica del invierno del norte: campesinos que avanzan con esfuerzo después de una gran nevada. Los colores y tonos se repiten en el camino, en las fachadas de las casas, en los techos. La nieve ecualiza el paisaje y borra las diferencias entre las viviendas y su entorno. Quienes han presenciado una nevada intensa reconocerán en este cuadro algo que les evoque esa experiencia.

Si están en Nueva York, pueden ver esta obra en el Museo Solomon R. Guggenheim. Y si visitan el museo, crucen la calle y entren en Central Park; a esa altura se encontrarán con el lago Jacqueline Kennedy Onassis, un hermoso lugar en el parque.

Mañana en el pueblo después de una tormenta de nieve fue pintada en 1912 al óleo sobre lienzo y es un excelente ejemplo del estilo Cubo-Futurista temprano de Malevich, en el que formas geométricas y planos fragmentados descomponen el paisaje tradicional. Aunque todavía es representativa — mostrando figuras campesinas y casas — las formas están estilizadas y dinámicas, insinuando el movimiento del artista hacia la abstracción. La combinación de rojos nítidos y blancos invernales crea ritmo y profundidad, haciendo que la escena sea tanto familiar como moderna.

Kazimir Severinovich Malevich (1879–1935) fue un artista pionero del vanguardismo ruso cuyo trabajo fue fundamental en el desarrollo del modernismo del siglo XX. Nacido cerca de Kiev, estudió en la Escuela de Pintura de Moscú antes de involucrarse con movimientos contemporáneos como el Impresionismo, el Simbolismo y, finalmente, el Cubo-Futurismo y el Suprematismo. El Suprematismo, movimiento que fundó oficialmente en 1915, buscaba trascender la representación en favor de formas geométricas puras que expresaran “la supremacía del sentimiento puro.” Aunque Mañana en el pueblo después de una tormenta de nieve precede a las obras suprematistas totalmente abstractas como Cuadrado negro, refleja la fase de transición del artista — arraigada en el paisaje pero experimentando con forma y percepción. 

El período alrededor de 1912–1913 en Rusia fue de fermento artístico y agitación política. Movimientos de vanguardia como el Cubo-Futurismo absorbieron influencias del Cubismo francés y el Futurismo italiano, pero también buscaron expresar la identidad cultural rusa y las realidades vividas de la vida rural. La representación de campesinos y un pueblo cubierto de nieve en esta pintura puede verse en el contexto más amplio del cambio social pocos años antes de la Revolución Rusa de 1917, cuando los artistas se involucraron cada vez más con las tensiones y transformaciones de la sociedad rusa. Aunque Mañana en el pueblo después de una tormenta de nieve se encuentra en una colección museística y no en el mercado de subastas, las obras de Malevich — especialmente sus piezas suprematistas — han despertado gran interés en el mercado del arte, con importantes piezas alcanzando altos precios y dando forma a la investigación y las exposiciones a nivel mundial.

“Study for a Portrait on a Folding Bed” by Francis Bacon ("Estudio para retrato en cama plegable")

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“Study for a Portrait on a Folding Bed” by Francis Bacon

This painting by Francis Bacon explores a recurring theme throughout much of his work: violence, animality, and the raw material nature of human existence.

The man lying on the folding bed is impossible to identify — his body is a mass of flesh and fluids, his posture alert, almost predatory. In my view, the subject depicted is one of the painter’s lovers. The work alludes to the earthy, instinctual side of sex — stripped of tenderness or emotion.

If you’re in London, you can find this painting at the Tate Gallery, alongside other works by Bacon and many more artists.

“Estudio para retrato en cama plegable”, de Francis Bacon

Esta pintura de Francis Bacon aborda un tema recurrente en gran parte de su obra: la violencia, lo animal y la materialidad de la existencia humana.

El hombre recostado en la cama plegable es irreconocible; su cuerpo es una masa de carne y fluidos, su actitud es alerta, casi acechante. En mi opinión, el sujeto representado es uno de los amantes del pintor. La obra alude a los aspectos más terrenales y animales del sexo, despojado de afecto o ternura.

Si están en Londres, pueden ver esta pintura en la Tate Gallery, junto con otras obras de Bacon y de muchos otros artistas.

"Attempting the Impossible" by Rene Magritte - ("Intentando lo imposible")

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“Attempting the Impossible” by René Magritte

Post dedicated to Sofia

This painting by Magritte can be interpreted in multiple ways, which is typical of his work. In the image, a painter “creates” a woman in three-dimensional space — an idea that, when considered alongside the title, can be read as:

1. A man cannot make a woman conform to his idea of who she should be. By nature, a woman is indomitable, an authentic being, not an accessory shaped to suit a man’s desires. While this may seem obvious, even in the 21st century it is still common in many countries around the world for women to be relegated to shadows of their male counterparts.

2. A painter — even a highly skilled one — cannot fully capture in a painting the true nature, richness, and depth of femininity. A woman’s appearance reveals little about who she truly is, her personality, or her abilities. While this should be clear today, it is still poorly understood in many places. A striking example is countries where, even if women are allowed to work outside the home, employers can still require photographs along with resumes when applying for a job.

If you travel to Japan, you can see this painting at the Municipal Museum in the city of Toyota. You will also find notable works by Gustav Klimt, Edvard Munch, and others.

“Intentando lo imposible”, de René Magritte

Post dedicado a Sofía

Esta pintura de Magritte puede interpretarse de varias maneras, algo característico en la obra del artista. En la imagen, un pintor “crea” a una mujer en un espacio tridimensional, una idea que, al considerar el título, puede entenderse de la siguiente manera:

1. Un hombre no puede hacer que una mujer se ajuste a su idea de quién debería ser. Por su naturaleza, una mujer es indomable, un ser auténtico, no un accesorio moldeado para satisfacer los deseos de un hombre. Aunque esto pueda parecer obvio, incluso en el siglo XXI sigue siendo común en muchos países que las mujeres sean relegadas a la sombra de sus homólogos masculinos.

2. Un pintor —aunque sea sumamente talentoso— no puede capturar completamente en una pintura la verdadera esencia, riqueza y profundidad de la feminidad. La apariencia de una mujer dice muy poco sobre quién es realmente, su personalidad o sus capacidades. Aunque esto debería ser evidente hoy, aún se entiende mal en muchos lugares. Un ejemplo notable son aquellos países donde, aunque se permita a las mujeres trabajar fuera del hogar, los empleadores aún pueden solicitar fotografías junto con los currículos al postular a un empleo.

Si viajas a Japón, puedes ver esta pintura en el Museo Municipal de la ciudad de Toyota. Allí también encontrarás obras destacadas de Gustav Klimt, Edvard Munch y otros.

“Three Women” by Fernand Léger ("Tres mujeres")

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

“Three Women” by Fernand Léger

This painting presents us with the image of three women, their rounded forms distorted in the ways that the artist considered most striking. In my opinion, the fact that their faces are identical suggests that these three women are actually one. The woman on the right, with a flesh-colored body, represents the “real” woman—having tea, reading. The other two reclining figures are versions of herself in more erotic situations. The black feline on the right may also allude to this woman’s character.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Museum of Modern Art (MoMA). And if you go, don’t miss this work by Picasso as well, also featuring nude women and distorted figures: Les Demoiselles d’Avignon.

“Tres mujeres” de Fernand Léger

Esta pintura nos muestra la imagen de tres mujeres, con formas redondeadas y desarticuladas en los aspectos que el artista consideraba más destacados. En mi opinión, el hecho de que sus rostros sean idénticos sugiere que estas tres mujeres son, en realidad, una sola. La mujer de la derecha, con el cuerpo color piel, representa a la mujer “real”: tomando té, leyendo. Las otras dos figuras reclinadas son versiones de ella misma en situaciones más eróticas. El felino negro a la derecha quizá también alude al carácter de esta mujer.

Si están por Nueva York, pueden ver esta pintura en el Museum of Modern Art (MoMA). Y si van, no se pierdan esta obra de Picasso, también con mujeres desnudas y figuras desarticuladas: Las señoritas de Avignon.