Franz Marc, "Deer in the Forest 2" (Ciervos en el bosque 2)

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Deer in the Forest 2 by Franz Marc

This picture shows, through an impossible spectrum of colors, a pack of deer camouflaged in the forest. The panting depicts an entire family of deer, partially alert, partly surprised, just like deer are in their natural environment. Those who had been lucky to see deer in the wilderness will find in this painting something that will likely remind them of that encounter.

Despite the fact that Marc painted a number of works with a similar color combination and generally with animals as the subject, this painting is quite unique in terms of lighting and shade areas. Note how the sun entering the forest diagonally from the top-left corner cuts the painting in three areas.

A similar painting from the same author is Stables

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Franz Marc, "Ciervos en el bosque 2". 

Esta pintura muestra, a traves de una escala de color imposible, los ciervos mimetizados en el bosque. El cuadro presenta a una familia completa de ciervos, medio alerta, medio sorprendidos, como son los ciervos en su ambiente natural. Aquellos que han tenido la suerte de haber visto ciervos en estado salvaje en el bosque encontraran en esta pintura algo que les recordara ese momento.

A pesar de que Marc ha pintado varias obras en esta gama de color y en general con temas de animales, esta pintura es unica en cuanto al manejo de luz y sombra que corta la obra en dos areas que resaltan ciertos miembros de la familia de ciervos. Otra obra del estilo es El establo

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Francis Bacon, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión)

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"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon

The crucifixion is an atrocious act that awakens deep emotions. Each of the three figures in this triptych (three paintings) represents feelings associated with the crucifixion. The figure in the left painting is overwhelmed by the happening; the figure in the center is horrified; the one at the right expresses pain and desperation. The crucifixion itself is not included in the paintings, only the feelings that the event generates, this is possibly the most interesting aspect of these paintings.

If one pays attention to the perspective of the room in the paintings, which is revealed by the walls, it is easy to see that the three figures surround the viewer in a triangle. The figures are at the base of our crucifixion, which is our own life. The horror and the pain expressed by the figures is directed to our own existence. 

If you happen to be in London, England, you will find these paintings in the Tate Gallery (but only if you are lucky, these paintings travel a lot as part of special exhibits and are also loaned to other galleries around the world).

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“Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión” de Francis Bacon.

La crucifixión es un suceso atroz que despierta profundas emociones. Cada una de las tres figuras en este tríptico (tres cuadros) representa sentimientos asociados a la crucifixión. La figura de la izquierda esta agobiada por el peso del suceso, la del centro es el horror, la de la derecha es el dolor y la desesperacion. La crucifixión en si misma no aparece en este cuadro, solo los sentimientos que el evento genera; este aspecto es el mas interesante.

Si uno presta atención a la perspectiva de la habitación, que es revelada por las paredes en cada pintura, veremos que las tres figuras rodean al espectador en un triangulo. Las figuras están al pie de nuestra crucifixión, que es nuestra vida. El peso, el horror y el dolor están asociados a nuestra existencia.

Si andan por Londres pueden ver estos cuadros en la Tate Gallery (solo si tienen suerte, estos cuadras viajan mucho en exhibiciones especiales y como prestamo a otras galerias)

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George Rouault, Prostitute before her mirror (Prostituta frente a su espejo)

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Prostitute before her mirror by George Rouault


This painting from 1906 presents the contrast between what we want others to see and what shows.

First, the woman in front of the mirror sees in her reflected image a body that is more curvaceous and younger than her own. Given her profession, this distortion in the perception of reality alludes to the hope she puts in the physical beauty she is losing with the passage of time.

Another interesting aspect is the sad expression of the woman in the image reflected in the mirror, it is not the face of the "real" woman, whose expression is more neutral, hiding her sadness.

The whole scene alludes to the contradictions inherent to the fact that our perception of reality is conditioned by what others (and ourselves) want to see and show. Often, the real feelings and intentions are not apparent. 

If you happen to be in Paris, you will find this painting in the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (do not confuse with the Centre Pompidou).

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“Prostituta Frente a Su Espejo” de George Rouault. 

Esta obra pintada en 1906 presenta el contraste entre la realidad versus lo que dejamos ver o queremos ver. 

Primero, la mujer frente al espejo ve en su imagen reflejada un cuerpo más esbelto y curvaceo que el que realmente tiene. Dada su profesión, esta distorsión en la percepción de la realidad alude a la esperanza que deposita en la belleza que casi ya no tiene.

El segundo aspecto es que la expresión de tristeza en el espejo, particularmente la posición de la boca, no es la expresión de la mujer en la realidad (su expresión parece ser mas neutra y oculta esa tristeza).

La escena alude a las contradicciones inherentes al hecho de que nuestra percepción esta generalmente condicionada por lo que queremos ver o mostrar. Muchas veces la realidad no es aparente.

Si andan por Paris lo van a encontrar en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris (no confundir con el Centre Pompidou).

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Edvard Munch, Girls on the Bridge (Jóvenes en el puente)

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Girls on the Bridge by Edvard Munch 

This painting shows three young ladies in transition. Adolescence is represented by the bridge, half-way between childhood and adult life. As they become adults some will get married, others will go into a convent as nuns (at the time of this painting, 1890, that was a common option). 

The water they look at from the bridge represents the passing time, the destiny. In that water, the girls try to elucidate what the future holds for them. The fact that the water looks calm probably represents that time passes slowly for the girls, which makes it difficult to "guess" their future.

There are dozens of variations and versions of this theme in Munch's work. In other versions (see online) the position of the girls and their actions change notably. See Example 1 o Example 2

If you happen to be around Oslo, Norway, you will find the painting below in the National Gallery.

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“Jovenes en el Puente” de Edvard Munch.

Esta obra presenta tres jóvenes que están en transición (el puente) a mitad de camino entre la adolescencia y la vida de adultas, en las cuales unas se casaran y otras iran a un convento (esta pintura es de fines del 1800). El agua al cual se asoman representa el tiempo que corre, el destino. En esa agua las jóvenes tratan de entrever que les depara el futuro. El hecho de que el agua aparezca calma quizás represente que el tiempo pasa con lentitud, lo que hace dificultoso “adivinar” cual será el futuro de estas jóvenes. Hay decenas de variaciones de este tema en la pintura de Munch.

En otras versiones (vean online) la posición y acciones de las jóvenes cambia notablemente, interesante para interpretar. Ver Ejemplo 1 o Ejemplo 2

Si andan por Oslo, Noruega, lo van a encontrar en la Galeria Nacional.

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Marc Chagall: Paris From the Window (París desde la ventana)

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“Paris From the Window” by Marc Chagall.

This Russian painter resided in France for much of his career. In this painting he combined a view of Paris populated by traditional Russian folk elements, including the inverted train, the cat with human face, etc. Beyond the pictorial complexity and bright colors of this painting, the message is clear: when we look around, we see reality and we interpret our surrounding through the lens of our cultural background. Our eyes do not see in abstract, but through a cultural paradigm.


A central element in this painting is the two-faced head in the lower-right corner. The faces (the painter's) mean that the same person simultaneously and permanently looks in two directions: the face looking to the left see the here and now; the other face looks back home, the past, the cultural heritage, the motherland.

This painting is particularly meaningful for those of us who have emigrated.

If you happen to be in New York, you can see this painting in the Solomon R. Guggenheim Museum located in 5th Ave and E 88th St.

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“Paris desde la Ventana” de Marc Chagall.

Este pintor de origen ruso radicado en Francia combina en este cuadro una vista de Paris poblada de elementos tradicionales del folclore ruso; incluyendo el tren invertido, el gato con cara humana, etc. Mas alla de la complejidad y color brillanted de este cuadro, el mensaje que transmite es claro: cuando miramos la realidad la vemos e interpretamos a traves de nuestro bagaje cultural; los ojos no ven en abstracto sino a traves de un paradigma cultural.

Un elemento central son las caras en la esquina inferior derecha. Representan a una misma persona (el pintor) permanentemente mirando en dos direcciones, la cara que mira hacia la izquierda ve el aquí y ahora; la otra mitad mira al pasado, la herencia cultural, la madre patria.

Especialmente relevante para los que hemos emigrado.

Si pasan por New York, lo pueden ver en el Solomon R. Guggenheim Museum en 5th Ave y 
E 88th st

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Henri Matisse, The conversation (La conversación)

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“The Conversation” by Henri Matisse.

This painting shows a couple in conflict, distanced by personal and social reasons. A central element that expresses the disagreement at a personal level is the design of the balcony railings that spells "NON"  (no in French). The stain in the woman's face indicates that the husband sees her defects, beyond her impeccable appearance to the outside world.

Elements that highlight the social aspect of the distance between them include: the relative position of superiority of the man (standing) and the woman (sitting). Despite this, the woman keeps her gaze, confronting the man. The informality of the man in pajamas contrasting against the formality of the woman in her dress. She is trapped by everyday life, the chair's arm is intertwined with her arm and the wall itself.

A central piece of this painting is the garden that can be seen through the window. The garden represents Eden, paradise, the freedom they don't have anymore, perhaps a happier past and a better future where the couple is no longer together. The two blue entrances at the end of the garden reference the individual origin of this man and woman, similar origin, but still separate. 

if you happen to be in Moscow, you  will find this painting in the Hermitage museum. Be prepared, in that museum there are some 3 million pieces of art worth seeing. 

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“La Conversacion” de Henri Matisse.

Esta pintura muestra una pareja en conflicto, distanciada por motivos personales y sociales. Elemento central que expresa el desacuerdo a nivel personal es el diseño de la reja del balcón que deletrea “NON” (No en Frances). La mancha en la cara de la mujer simboliza que el marido ve sus defectos, mas alla de su apariencia impecable.

Elementos que resaltan lo social son: la posición relativa de superioridad del hombre (parado) y la mujer (sentada), a pesar de lo cual la mujer mantiene la mirada alta y enfrenta al hombre; la informalidad del hombre en piyamas que contrasta con la formalidad del vestido de la mujer, quien esta atrapada por lo cotidiano, expresado por la parte del sillón que la retiene y que se mezcla con la pared.

Un parte central de la pintura es el jardin que se ve desde la ventana. Ese jardin representa el Eden, la libertad, el pasado y quizas un futuro mejor donde la pareja ya no esta junta. Las dos entradas azules en el fondo del jardin hacen referencia a los origenes individuales de los miembros de la pareja, un origen similar, pero con una pequenia separacion que los distingue. 

Si pasan por Moscu la pueden ver en el museo Hermitage. Vayan preparados porque en ese museo hay unas 3 millones de piezas de arte.

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Balthus, The Card Game (El juego de cartas)

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Balthus, The Card Game

The game the boy and the girl are playing in this painting is an allegory to the transition from childhood to teenagehood, of the awakening of sexuality associated to puberty. The posture of the boy: an uncertain advance. The posture of the girl: expectant, amused but restrained.

The unlit candle (a phallic symbol) in the centre of the table alludes to the fact that the "game" of seduction and discovery will develop in the future. They are not ready yet.

If you happen to be in Madrid, you can see this painting in the Palacio de Villahermosa, part of the Thyssen-Bornemisza colection.

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Balthus, El juego de cartas.

Esta pintura es una alegoria al paso de la niniez a la adolescencia, al despertar asociado a la pubertad. La pose de avance incierto del ninio y la actitud expectante y recatada de la ninia es la forma en la que la nueva etapa se desarrollara. La vela apagada (un simbolo falico) en el centro de la mesa alude a que el «juego de cartas» se desarrollara en el futuro ya que aun no estan listos.

Si pasan por Madrid lo pueden ver en Palacio de Villahermosa, parte de la collection Thyssen-Bornemisza.

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