"Deer in the Forest II" by Franz Marc ("Ciervos en el bosque II")

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“Deer in the Forest II” by Franz Marc

This painting depicts, through an impossible spectrum of colors, a group of deer camouflaged within the forest. The artwork shows an entire family of deer, partly alert, partly surprised, capturing the natural vigilance of these animals in their environment. Those who have been fortunate enough to see deer in the wild will likely find this painting evocative of that experience.

Although Marc painted several works with similar color schemes and often focused on animals, this piece stands out for its use of light and shadow. Notice how the sunlight enters the forest diagonally from the top-left corner, dividing the composition into three distinct areas.

A related painting by the same artist is Stables.

“Ciervos en el bosque II”, de Franz Marc

Esta pintura muestra, a través de un espectro de colores imposible, un grupo de ciervos camuflados en el bosque. La obra representa a toda una familia de ciervos, en parte alerta y en parte sorprendida, capturando la vigilancia natural de estos animales en su entorno. Aquellos que hayan tenido la suerte de ver ciervos en la naturaleza seguramente encontrarán en esta pintura un recuerdo evocador de esa experiencia.

Aunque Marc pintó varias obras con esquemas de color similares y con animales como tema recurrente, esta pieza es particularmente única por su manejo de la luz y las sombras. Observa cómo la luz del sol entra en el bosque diagonalmente desde la esquina superior izquierda, dividiendo la composición en tres áreas distintas.

Una pintura relacionada del mismo autor es Establos.

"Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon ("Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión")

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“Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion" by Francis Bacon

The crucifixion is an atrocious act that evokes profound emotions. Each of the three figures in this triptych represents a different response to the event: the figure on the left is overwhelmed, the central figure is horrified, and the figure on the right expresses pain and desperation. The crucifixion itself is not depicted; only the intense emotions it provokes are shown, which may be the most compelling aspect of these paintings.

If you examine the perspective of the room, revealed by the walls, you will notice that the three figures surround the viewer in a triangular formation. They occupy the base of our own crucifixion—our own life. The horror and suffering expressed by the figures confront us directly, reflecting the existential pain of human existence. I've seen a lot of art in my lifetime, and this is one of the most amazing paintings I've ever seen. It's magnetism resides in the fact that you become part of the scene as you contemplate the figures. 

If you happen to be in London, England, you can see these paintings at the Tate Gallery. However, their display is not guaranteed, as the works frequently travel as part of special exhibitions and are often loaned to other galleries worldwide.

“Tres estudios de figuras al pie de una crucifixión” de Francis Bacon.

La crucifixión es un acto atroz que despierta emociones profundas. Cada una de las tres figuras del tríptico representa una reacción diferente ante el evento: la figura de la izquierda está abrumada, la del centro horrorizada y la de la derecha expresa dolor y desesperación. La crucifixión en sí no está representada; solo se muestran las intensas emociones que provoca, lo cual quizá sea el aspecto más interesante de estas pinturas.

Si se observa la perspectiva del espacio, revelada por las paredes, se nota que las tres figuras rodean al espectador formando un triángulo. Ocupan la base de nuestra propia crucifixión: nuestra propia vida. El horror y el sufrimiento expresados por las figuras nos confrontan directamente, reflejando el dolor existencial de la experiencia humana. He visto mucho arte en mi vida, y esta es una de las pinturas más increíbles que he visto. Su magnetismo reside en el hecho de que te conviertes en parte de la escena mientras contemplas las figuras.

Si se encuentran en Londres, Inglaterra, pueden ver estas pinturas en la Tate Gallery. Sin embargo, su exhibición no está garantizada, ya que estas obras viajan con frecuencia como parte de exposiciones especiales y suelen ser prestadas a otras galerías en todo el mundo.

"Prostitute before her mirror" by George Rouault ("Prostituta frente a su espejo")

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“Prostitute Before Her Mirror” by Georges Rouault

This 1906 painting highlights the contrast between what we want others to see and what is actually revealed.

The woman in front of the mirror sees a reflection of herself that is more youthful and curvaceous than her real body. Given her profession, this distorted perception alludes to the hope she invests in her physical beauty, which is gradually fading over time.

Another notable detail is the sad expression of the reflected image. It differs from the real woman’s face, which is more neutral, concealing her inner sadness.

The entire scene reflects the contradictions inherent in how our perception of reality is shaped by what we—and others—want to see. Often, true feelings and intentions remain hidden beneath the surface.

If you happen to be in Paris, you can see this painting at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (not to be confused with the Centre Pompidou).

“Prostituta frente a su espejo”, de Georges Rouault

Esta pintura de 1906 presenta el contraste entre lo que queremos que los demás vean y lo que realmente se muestra.

La mujer frente al espejo se ve reflejada con un cuerpo más joven y curvilíneo que el suyo propio. Dada su profesión, esta distorsión en la percepción de la realidad alude a la esperanza que deposita en la belleza física que va perdiendo con el paso del tiempo.

Otro detalle interesante es la expresión triste de la imagen reflejada en el espejo. No coincide con el rostro de la mujer “real”, cuya expresión es más neutral, ocultando su tristeza.

Toda la escena alude a las contradicciones inherentes a cómo nuestra percepción de la realidad está condicionada por lo que queremos mostrar y lo que otros esperan ver. A menudo, los verdaderos sentimientos e intenciones permanecen ocultos.

Si se encuentran en París, pueden ver esta pintura en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (no confundir con el Centre Pompidou).

"Girls on the Bridge" by Edvard Munch ("Jóvenes en el puente")

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“Girls on the Bridge” by Edvard Munch

This painting depicts three young women in a state of transition. Adolescence is symbolized by the bridge, a midpoint between childhood and adulthood. As they mature, some will marry, while others may enter a convent as nuns—a common option at the time (1890).

The water they gaze at from the bridge represents the passage of time and destiny. In its calm surface, the girls attempt to discern what the future holds for them. The serene quality of the water may suggest that time seems to move slowly for them, making it difficult to “predict” their future.

Munch explored this theme in dozens of variations and versions. In other versions, the girls’ positions and actions change significantly.

If you are in Oslo, Norway, you can see this painting at the National Gallery.

“Jovenes en el Puente” de Edvard Munch.

Esta pintura muestra a tres jóvenes en un estado de transición. La adolescencia está simbolizada por el puente, un punto intermedio entre la infancia y la vida adulta. A medida que crezcan, algunas se casarán, mientras que otras podrían ingresar a un convento como monjas, una opción común en la época (1890).

El agua que observan desde el puente representa el paso del tiempo y el destino. En su superficie tranquila, las chicas intentan discernir lo que les depara el futuro. La calma del agua podría indicar que el tiempo parece transcurrir lentamente para ellas, dificultando “predecir” su porvenir.

Munch exploró este tema en numerosas variaciones y versiones. En otras versiones, la posición y las acciones de las chicas cambian de manera notable.

Si se encuentran en Oslo, Noruega, pueden ver esta pintura en la National Gallery.

"Paris From the Window" by Marc Chagall ("París desde la ventana")

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“Paris from the Window” by Marc Chagall

The Russian painter Marc Chagall spent much of his career in France. In this work, he fuses a view of Paris with elements of traditional Russian folklore — the inverted train, the cat with a human face, and other dreamlike figures. Beyond its vivid colors and visual complexity, the painting conveys a clear message: when we look at the world around us, we perceive reality through the lens of our cultural background. Our eyes do not see in abstraction, but through the filters of memory and identity.

A central motif is the two-faced head in the lower right corner — a self-portrait of the artist. The two faces suggest that the same person looks in opposite directions at once: one toward the present, the “here and now”; the other toward the homeland, the past, the roots that shaped him.

This painting holds special meaning for those of us who have experienced emigration — the constant balancing between where we are and where we come from.

If you happen to be in New York, you can see this painting at the Solomon R. Guggenheim Museum, located on Fifth Avenue and East 88th Street.

“París desde la ventana”, de Marc Chagall

El pintor ruso Marc Chagall residió en Francia durante gran parte de su carrera. En esta obra combina una vista de París con elementos del folclore ruso tradicional —el tren invertido, el gato con rostro humano y otras figuras oníricas—. Más allá de su complejidad pictórica y sus colores vibrantes, el mensaje es claro: cuando observamos el mundo que nos rodea, interpretamos la realidad a través del filtro de nuestra cultura. Nuestros ojos no ven en abstracto, sino desde un paradigma cultural formado por la memoria y la identidad.

Un elemento central es la cabeza de dos rostros en la esquina inferior derecha —un autorretrato del pintor—. Los dos perfiles sugieren que una misma persona mira en direcciones opuestas: uno hacia el presente, el “aquí y ahora”; el otro hacia la tierra natal, el pasado, la herencia cultural.

Esta pintura resulta especialmente significativa para quienes hemos emigrado, para quienes vivimos con la mirada dividida entre el lugar donde estamos y el lugar del que venimos.

Si estás en Nueva York, puedes ver esta obra en el Museo Solomon R. Guggenheim, ubicado en la Quinta Avenida y la calle 88 Este.

"The conversation" by Henri Matisse ("La conversación")

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“The Conversation” by Henri Matisse

This painting portrays a couple in conflict — distanced both personally and socially. One of the most striking elements expressing their personal disagreement is the design of the balcony railing, which spells out “NON” (“no” in French). The faint stain on the woman’s face suggests that her husband perceives her flaws, seeing beyond the impeccable image she presents to the outside world.

The social dimension of their distance is underscored by several visual cues: the man’s position of superiority — standing — contrasts with the woman’s seated posture. Yet, she meets his gaze, confronting him with quiet determination. The man’s casual attire, a pair of pajamas, stands in stark contrast to the woman’s formal dress. She appears trapped by domestic life — her arm entangled with that of the chair, her body pressed against the wall itself.

At the center of the composition lies the garden seen through the window. It represents Eden — paradise, freedom, and the life they no longer share. Perhaps it evokes a happier past or a future in which the couple is finally apart, at peace in their individuality. The two blue doorways at the end of the garden may symbolize their separate yet similar origins — two paths once parallel, now divided.

If you happen to be in Moscow, you can find this painting at the Hermitage Museum. Be prepared: the museum holds over three million works of art, each one worth seeing.

“La conversación”, de Henri Matisse

Esta pintura muestra a una pareja en conflicto, distanciada tanto por razones personales como sociales. Uno de los elementos más reveladores de su desacuerdo íntimo es el diseño de la barandilla del balcón, que forma la palabra “NON” (“no” en francés). La mancha en el rostro de la mujer sugiere que el marido ve sus defectos, más allá de la apariencia impecable que ella proyecta ante el mundo.

El aspecto social de la distancia entre ambos se refleja en varios detalles: la posición de superioridad del hombre —de pie— frente a la mujer —sentada—; sin embargo, ella sostiene la mirada, enfrentándolo con serenidad. La informalidad del hombre, en pijama, contrasta con la formalidad del vestido de la mujer. Ella parece atrapada por la rutina doméstica: su brazo se confunde con el del sillón y su cuerpo se funde con la pared.

En el centro de la composición se abre el jardín, visible a través de la ventana. Representa el Edén —el paraíso, la libertad— que ya no poseen. Tal vez evoca un pasado más feliz o un futuro en el que la pareja, por fin separada, ha recuperado su individualidad. Las dos entradas azules al fondo del jardín aluden a su origen común, similar, pero irremediablemente separado.

Si estás en Moscú, puedes ver esta pintura en el Museo del Hermitage. Prepárate: en ese museo hay más de tres millones de obras de arte que valen la pena.

"The Card Game" by Balthus ("El juego de cartas")

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"The Card Game" by Balthus

The game the boy and girl play in this painting serves as an allegory for the transition from childhood to adolescence — the awakening of sexuality that accompanies puberty.

The boy’s posture suggests a hesitant advance; the girl’s, a mix of expectation and amusement, tempered by restraint.

At the center of the table, an unlit candle — a clear phallic symbol — hints that the “game” of seduction and discovery lies ahead. They are not yet ready.

If you find yourself in Madrid, you can see this painting at the Palacio de Villahermosa, part of the Thyssen-Bornemisza Collection.

"El juego de cartas" de Balthus

El juego que el niño y la niña practican en esta pintura es una alegoría de la transición de la niñez a la adolescencia, del despertar de la sexualidad asociado a la pubertad.

La postura del niño sugiere un avance vacilante; la de la niña, una mezcla de expectación y diversión, contenida por la prudencia.

En el centro de la mesa, una vela apagada —símbolo fálico— alude a que el “juego” de la seducción y el descubrimiento tendrá lugar más adelante. Aún no están preparados.

Si estás en Madrid, puedes ver esta obra en el Palacio de Villahermosa, parte de la colección Thyssen-Bornemisza.