“Caballo y Tren” de Alex Colville

Viernes Artisticos: hoy “Caballo y Tren” de Alex Colville

Esta obra de 1954 de un reconocido pintor Canadiense nos presenta con una situación donde la tragedia es inminente. El caballo no reconoce el peligro que representa el tren. El conductor del tren, quizás por la falta de luz de ese atardecer, quizás por la rutina de un viaje largo y sin altibajos, quizás por el aburrimiento de una planicie que tiene poco que ofrecer, no percibe el peligro que se avecina.

La tranquilidad del entorno y la media luz del atardecer le dan a esta pintura un aura de paz y quietud que contrasta con la tensión del accidente que se aproxima. Un recordatorio que muchas veces un giro para peor puede ocurrir repentinamente, incluso (o particularmente) en un momento en el que todo parece calmo.

Esta obra se encuentra en la galeria de arte de Hamilton, Ontario, Canada, muy cerca de las cataratas del Niagara.

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“Joven con un Aro de Perlas” de Johannes Vermeer

Viernes Artisticos: hoy “Joven con un Aro de Perlas” de Johannes Vermeer

En mi opinión personal, Vermeer es uno de los pintores más grandes de todos los tiempos. La calidad casi fotográfica de sus pinturas, particularmente en lo que se refiere a la escala, sombras y graduación de la luz hacen que sus obras tengan un halo de realidad y vigencia que nos transporta a la escena. Vermeer pinta ventanas a escenas del pasado.

En esta obra de 1665, Vermeer nos presenta a una joven anónima, cuyo rasgo más saliente es tener puesto un aro de perlas. Es interesante que el aro apenas se vea en esta pintura, mientras que lo que resalta son las cualidades únicas de la mirada y expresión de esta joven.

Esta pintura ha aparecido en varias obras de ficción. En 1999 Tracy Chevalier escribió una novela con el mismo nombre de este cuadro en el que una mucama de la casa de Vermeer se convierte en su amante y es la protagonista de esta pintura. En 2003 Holywood convirtió el libro en un film con Colin Firth (como Vermeer) y Scarlett Johansson como la joven en la pintura. Pueden ver el trailer de la pelicula aquí.

Esta obra de encuentra en La Haya, Holanda, en el museo Mauritshuis. Si quieren conocer más sobre Vermeer, no se pierdan este documental.

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“Ophelia (Ofelia)” de John Everett Millais

Viernes Artisticos: hoy “Ophelia (Ofelia)” de John Everett Millais

En este cuadro de mediados del 1800 vemos a Ophelia, uno de los personajes de Hamlet, de William Shakespeare, cantando en el agua, poco antes de ahogarse en el rio donde cayo mientras juntaba flores en la orilla. Esta escena no es actuada en la obra Hamlet, sino que es descripta en el Acto IV, Escena VII por la reina Gertrude (Gertrudis).

La descripción de la muerte de Ophelia es considerada una de las muertes mas poeticas en la historia de la literatura.

Si andan por Londres, van a encontrar esta obra en la Tate Gallery. Una vez alli, no se pierdan otra hermosa pintura relacionada con una obra de Shakespeare, “EllenTerry como Lady Macbeth” de John Singer Sargent.

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“Prohibida la Reproducción” de Rene Magritte

Viernes Artisticos: hoy “Prohibida la Reproducción” de Rene Magritte

Esta obra es una reafirmación de lo único e individual en la identidad y circunstancias de cada persona. El hecho que la persona en el cuadro no se vea reflejada en el espejo es básicamente una declaración: no se puede reproducir . En mi opinión también hay una referencia a un tema recurrente en la pintura de Magritte: el de la percepción de la identidad, vemos al otro como una construcción de nuestro intelecto, no en su verdadera identidad. Vean la interpretacion de “Los Amantes” en relación a este punto.

Nótese que el libro (abajo a la derecha) si se ve reflejado (reproducido) en el espejo. El que el libro sea “La Narración de Arthur Gordon Pym” de Edgar Allan Poe es particularmente significativo. Ese libro se trata de una gran aventura, una jornada unica, una buena parte de la vida de un joven. El reflejo del libro a lude a que la vida de un individuo puede ser contada; la ausencia del reflejo de la persona implica que la vida de otro no puede ser vivida.

Esta obra se encuentra en Holanda, en Rotterdam, en el Museum Boijmans Van Beuningen. Si van a ese museo no se pierdan este triptico recientemente adquirido.

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"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso "Joven Frente al Espejo”

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

"Girl in Front of a Mirror“ by Pablo Picasso 

Based on a colourful design, this painting presents Picasso's vision on individuality and perception of oneself and others. The girl in front of the mirror seen by the artist, emphasizing her most salient characteristics, in the image to the left, looks at herself in mirror to the right.

The image reflected in the mirror is, in my opinion, what the painter thinks the model sees when looking at herself. A central element is the face reflected in the mirror: its color, shape, stains (tears?). Picasso shows that the girl sees her feelings and defects, some real some imagined, some apparent, some hidden. This is a recurrent themes in the art of the first half of the 1900's, and something that Picasso may have taken from Matisse (see the stain the woman's face in The Conversation).

Part imagined, part real, the perceived image has a continuity in reality. The element that joins both real and reflected girl is the arm that intertwines with both images (something also found in The Conversation by Matisse).

If you go to New York, you will find this painting at MoMA.

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“Joven Frente al Espejo” de Pablo Picasso

Basandose en un diseño sumamente colorido, esta obra presenta la visión de Picasso sobre la individualidad en la percepción del otro y de uno mismo. “La joven frete al espejo” como es vista por el pintor en sus rasgos mas salientes en la imagen de la izquierda, se ve a si misma reflejada en el espejo de la derecha. 

La imagen reflejada en ese espejo es, en mi opinión, lo que el pintor cree que la modelo ve. Un elemento central es el rostro reflejado en el espejo, el color, la forma, las manchas. Picasso indica que la joven ve sus defectos, algunos reales otros imaginarios, unos visibles, otros ocultos. Este es un tema recurrente en la pintura de la época, y algo que creo que Picasso pudo haber tomado de Matisse (vea la mancha en la cara de la mujer en “La Conversacion”)

Parte imaginada, parte real, la imagen percibida tiene su continuidad en la realidad, el elemento que une ambas visiones es el brazo que se confunde y entrelaza con la imagen (algo tambien presente en “La Conversacion” de Matisse).

Si pasan por New York van a encontrar esta obra en el Museum of Modern Art.

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"Woman with a hat" by Henri Matisse (“Mujer Con Sombrero”)

Spanish translation below - Traduccción al español mas abajo

"Woman with a hat" by Henri Matisse

This painting from the early 1900s is a portrait of Amelie, Matisse's wife. 

What is unique about this painting? The disjointed elements that compose the image suggest this is a painting that intended to provoke, to get people to talk about it. And effectively, records from the time the painting was first exhibited show that people were generally divided between those that thought it was the work of a genius, and those that thought it was a hoax or a joke. 

The controversy centres around the large, amorphous, areas of colour that form the image. Lines are mostly absent, depth is the byproduct of the difference in temperature and tone of the different colours. At the time this painting was presented to the public, the author's approach to both shape and perspective were ground breaking. As it often happens, change is not always well received.

If you happen to go to San Francisco (USA), you will find this painting in the Museum of Modern Art. Don't miss out, just around the corner, the activities at the Yerba Buena Center for the Arts

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“Mujer Con Sombrero” de Henri Matisse 

Esta pintura de principios del 1900 es un retrato de Amelie, la esposa de Matisse.

Que hace a este cuadro único? Los elementos desencajados que forman la imagen sugieren que esta pintura fue orquestada con la intension de provocar, de hacer que la gente hable de ella. Y efectivamente, logro su propósito, como muestran registros de la época que indican que la gente estaba dividida entre los que pensaban que era el trabajo de un genio y los que pensaban que era una broma.

La controversia se centra en las areas de color que forman la imagen. Manchas grandes y amorfas, son las que determinan la forma. La profundidad establecida por la temperatura y tonalidad de los colores. Lineas, casi ausentes. En la época que esta pintura fue presentada al publico, la manera en que forma y perspectiva son tratadas en este cuadro era muy novedosa. Como sucede a menudo, el cambio no es siempre bienvenido.

Si andan por San Francisco (USA) la van a encontrar en el museo de arte moderno de esa ciudad. No se pierdan, a la vuelta de la esquina, la accion en el Yerba Buena Center for the Arts.

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“Torre Eiffel con Árboles” y "Auto retrato" de Robert Delaunay

Viernes Artísticos: hoy “Torre Eiffel con Árboles” y "Auto retrato" de Robert Delaunay.

Este artista de origen Frances ha pintado innumerables cuadros con la torre Eiffel como motivo. Este es uno de mis favoritos. En esta imagen, el autor nos presenta con la torre vista a través de árboles que se interponen en nuestro campo visual, escondiéndola parcialmente.  Esta pintura tiene elementos cubistas (las rectas, la deconstrucción de la torre). Delaunay es considerado el primer pintor que combino colores vivos y cubismo, algo que quizas se ve mejor en esta otra version de la torre Eiffel.

Si andan por New York, la van a encontrar en el Salomon R. Guggenheim Museum en 5th Ave. No se pierdan las vistas del Central Park justo en la vereda de enfrente. Véanlo aquí.


La segunda pintura en este post es el auto retrato de Delaunay que se encuentra en el Musée National d'Art Moderne (Centre Pompidou) de Paris. Detenganse a observar esta pintura con cuidado y notaran que el autor no pinto ninguna linea ni borde. La pintura entera esta definida por manchas de color organizadas para delinear las facciones del artista. La temperatura de los colores define el espacio y la profundidad.

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Las Hilanderas de Diego Velazquez

Viernes Artisticos: hoy “Las Hilanderas” de Diego Velazquez.

Esta obra maestra de Velazquez presenta, a través de una escena cotidiana del 1650’, una clara imagen de las diferencias sociales y económicas de la época. Las hilanderas, trabajadoras especializadas, plebeyas, se ganan una vida mísera con gran esfuerzo. Sus ropas sencillas y, en particular, el hecho que estén descalzas alude a la pobreza en la que viven.

La situación de las hilanderas contrasta con la escena del fondo, donde mujeres de la nobleza, vestidas con todo lujo,  admiran un tapiz producido por las hilanderas. La noble de la derecha, con interés, mira a las hilanderas en su labor.

Lo interesante de esta obra, en mi opinión, es que Velazquez uso la recreación de una fabula griega (la de Palas y Aracné,  del libro VI de las Metamorfosis de Ovidio) para representar las acciones de las hilanderas. En esa fabula, la diosa Palas, la anciana en el cuadro, compite con Aracné para ver quien es mejor tejedora.
Esta obra se encuentra en Madrid, en el museo del Prado, junto con esta otra obra maestra de Velazquez

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Ciervo en el jardin del monasterio, de Franz Marc

Viernes Artisticos: hoy “Ciervo en el jardin del monasterio” de Franz Marc

Otra obra maestra de Marc. Haciendo uso de una escala de colores que confunde el verde del entorno, la luz, las flores y el animal, el pintor presenta una escena en la que un ciervo se mimetiza con el medio ambiente. La luna que se deja adivinar a la izquierda de la pintura indica que esta es una escena nocturna; la pose del ciervo, algo alerta, sorprendido es tipica de estos animales en estado salvaje.

Si andan por Munich, Alemania, la van a encontrar en Städtische Galerie im Lenbachhaus. Si van a ese museo, crucen la calle y vayan a Königsplatz, donde aparte de ver edificios antiguos imponentes, van a encontrar museos de antigüedades neoclásicas y escultura greco-romana.

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Baile II y Música de Henri Matisse

Viernes Artisticos: hoy “Baile II” y “Música” de Henri Matisse.

Estas dos obras son complementarias y representan dos expresiones culturales íntimamente relacionadas: la música y el baile. Originalmente pintados por encargo de un coleccionista ruso, “El Baile II” nos presenta con una escena donde el movimiento de los sujetos es resuelto en una forma que solo un maestro como Matisse puede ejecutar. El circulo da la impresión de una ronda donde los bailarines se mueven a alta velocidad, al punto que dos de ellos pierden contacto.

“Música” es un tanto mas misterioso. Dos sujetos tocan instrumentos de viento, mientras otros tres contemplan al expectador. En mi opinión, los tres sujetos sentados son bailarines parte de “Baile II” que están esperando su turno para participar en la danza. Estas dos pinturas se encontraban juntas en la misma habitacion del coleccionista que las encargo.

Cuando vayan a  St Petersburg, Russia, para la copa del mundo 2018 aprovechen a pasear por el Museo Hermitage entre partido y partido. Otra obra que van a encontrar en esa galería es este Da Vinci.

En el Museum of Modern Art (MoMA) en New York, van a encontrar una version de "El Baile" con otra escala de color. La pueden ver aqui.

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Guernica de Pablo Picasso

Viernes Artisticos: hoy “Guernica” de Pablo Picasso.

Esta obra legendaria fue pintada para conmemorar el bombardeo de la ciudad de Guernica por las fuerzas del General Franco durante la guerra civil Española. A pesar de la complejidad de esta pintura, la historia es simple. Una fuerza superpoderosa, inalcanzable, destruye todo a su paso, civiles y militares. Sin embargo, para el resto del mundo (o la conciencia universal), el evento no pasa desapercibido.

Elementos centrales de esta obra monocromatica, de izquierda a derecha, incluyen: la mujer (la patria?) con su hijo muerto en sus brazos; el toro, poderoso, imparable; el jinete caído, derrotado con la espada quebrada, bajo su caballo herido, ambos a la merced de una mezcla de luz/ojo omnipresente e inalcanzable. Finalmente, entrado por la puerta, el largo brazo de la justicia que ilumina, y la cara sorprendida, observante, de la humanidad (la cara de la mujer). También hay un hombre derrotado, semi-arrodillado, arrastrándose hacia la luz/ojo, posiblement pidiendo piedad y otro pereciendo bajo las llamas que lo devoran.

Si andan por Madrid van a encontrar esta obra en el Museo Nacional, Centro de Arte Reina Sofía. Cuando vean esta obra, seguramente los va a sorprender su tamaño monumental, véanlo aquí 

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El Beso de Constantin Brancusi

Viernes Artisticos: hoy “El beso” de Constantin Brancusi.

Este escultor Rumano deslumbra por su originalidad. La escultura se centra en la unión que produce el beso, a través de esta acción, los amantes se transforman (o buscan transformarse) en uno. La identidad sexual de los amantes es imposible de establecer.

Esta es una de las tantas versiones de El Beso, por lo cual es factible encontrarla en varios museos alrededor del mundo. Una de las originales se encuentra en el Museo de Arte de Craiova en Rumania, el museo en si mismo es bellisimo, veanlo aquí. 

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Avance en retroceso de Mark Tansey

Viernes Artisticos: hoy “Avance en retroceso” de Mark Tansey.

Esta pintura monocromática de un autor contemporáneo nos presenta con la dualidad de una táctica militar (retirada en un frente para avanzar en otro) con varios elementos alterados. Los jinetes están sentados al revés (mirando hacia atrás respecto de los caballos) al mismo tiempo que la imagen completa esta reflejada en el agua.

En suma, estamos viendo el reflejo invertido, de jinetes montando caballos en retirada al revés. Una táctica que tiene por objeto confundir y desorientar, es doblemente confusa en esta presentación, sumado a que uno de los jinetes tiene un taco de polo en la mano (no un arma). En mi opinion esta pintura alude a lo dificultoso que es en muchos casos descifrar y entender las intensiones de otros en acciones relativamente complejas, y por tanto lo cerca que estamos siempre de mal interpretar al otro.

Esta pintura se encuentra en el Museum of Modern Art of New York (MoMA). El Metropolitan Museum de New York tambien tiene otras obras interesantes de este autor.

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“Levantamiento (Rising)” de Zhang Huan

Viernes Artisticos: hoy “Levantamiento (Rising)” de Zhang Huan

Esta escultura de uno de los artistas Chinos más prominentes de la actualidad, se encuentra en la calle en Toronto.

El personaje central es un monstruo amorfo que asemeja al Dragón de Agua del zodiaco Chino, con decenas de palomas que se posan sobre sus miembros. Los brazos y piernas del dragón (que no tiene cabeza) tienen gran alcance y son relativamente fuertes comparados con las pequeñas palomas.

Este dragón impreciso representa al poder del estado Chino, que llega a todos lados y tiene un alcance y fuerza casi ilimitados. El que la forma asemeje al Dragón de Agua del zodiaco nos recuerda las principales características que el dragón comparte con el estado Chino: arrogante, tiránico, intolerante, dogmático y violento.  Las palomas son los ciudadanos que solo quieren paz, libertad y prosperidad y que posándose sobre los miembros del dragón están logrando dominarlo y aplacarlo.

De ahí la ambivalencia del titulo de la obra: “levantamiento” (o rising en ingles) hace referencia a una revuelta poco más o menos violenta pero también a un renacer, una elevación, o el surgimiento de algo prometedor.

Si andan por Toronto, van a encontrar esta escultura instalada en forma permanente en la entrada del Hotel Shangri-La, en la esquina de University Ave. y Adelaide St. W.. Si andan por ahí no se pierdan la Art Gallery of Ontario a unas pocas cuadras.

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“Padre e hijo contemplando la sombra de un día” de Roberto Aizemberg

Viernes Artisticos: hoy “Padre e hijo contemplando la sombra de un día” de Roberto Aizemberg

Esta es una publicación especial para agasajar a Pedro Báez (@pedroabaez), Ministro de Cultura y Comunicación del Gobierno de Entre Ríos (Argentina), quien esta siguiendo este blog via Twitter en @ArteInterpret

Roberto Aisemberg, nacido en la provincia de Entre Ríos, creo una serie de obras donde un hombre y un niño contemplan paisajes irreales, paisajes que implican una realidad mas allá de lo que ven los ojos. Esta obra en particular fue pintada en 1963, en un momento en que la Argentina apenas se recuperaba de un ciclo de dictaduras militares mientras el resto del mundo se veía envuelto en la guerra fría, la crisis de los misiles en Cuba y más tarde el asesinato de Kennedy.

El padre y el niño contemplando la sombra de un día ven básicamente dos elementos: dos secciones, dos áreas con formas distintas, divididas por una línea fina. Una alegoría a las facciones enfrentadas, facciones que se parecen mucho, estan divididas por poco y hasta son de la misma materia. Las dos áreas están bajo la sombra del hoy y el ahora. El otro elemento central es el brillo de la luz casi en el horizonte, el futuro, un mañana donde las dos facciones son una y se han integrado en la misma forma y la sombra que las oscurece hoy ya no esta. El padre ve con el niño el futuro de este ultimo, un futuro mejor a la sombría realidad de su presente.

Pueden ver esta obra en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. Si tienen oportunidad de visitar la bella ciudad de Federal, Entre Ríos, donde nació este autor, no se pierdan el festival anual de chamamé.

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Yo y la Aldea de Marc Chagall

Viernes Artisticos: hoy “Yo y la Aldea” de Marc Chagall

En esta obra, el pintor (la cara de la derecha) se reencuentra con los elementos centrales de su aldea. Chagall pinto esta obra mientras vivía lejos de su Rusia natal, en Paris.

La cabra, el campesino ordeñando la vaca, los aldeanos caminando hacia el pueblo luego de un dia de trabajo, la iglesia, las casas típicas, son todos parte de la vida diaria de la aldea. El autor agrega un elemento que ocupa un lugar prominente en esta composición, el arbol de la vida, en la parte inferior en el centro del cuadro.

Si pasan por New York, la van a escontrar en el Museum of Modern Art, MOMA. Si van a ese museo no dejen de probar algo del menu del restaurant del segundo piso, muy bueno!

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Madre e hijo de Henry Moore

Viernes Artisticos: hoy “Madre e hijo” de Henry Moore

El tema de madre e hijo es recurrente en la escultura de Henry Moore. Esta version es sumamente interesante. El hijo ha mutado en una especie de pájaro feroz que intenta atacar a la madre, quien se defiende parcialmente ahorcando al hijo. En esta representación de la relacion madre-hijo, Moore presenta lo antagonico y lo confictivo.

Hay varias versiones de esta y otras esculturas de Moore con el motivo de madre e hijo, algunas en el MOMA, en New York, el Courtauld Institute en Londres y Getty Museum en Los Angeles

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El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli

Viernes Artisticos: hoy “El nacimiento de Venus” de Sandro Botticelli

Una de las obras maestras de Botticelli. Venus nace de una ostra y el viento (Zephyr) la empuja hacia la costa con una de sus ninfas. En la costa, Flora espera a Venus con una tunica. Todos estos personajes (Venus, Zephyr, Flora) reaparecen en otra de las pinturas mas famosas de Boticelli: Primavera (que tambien ha sido interpretada en este blog)

Esta obra se encuentra en la galeria Uffizi, el Florencia, Italia. La galeria en si misma es tambien una obra de arte, veanla aquí.

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Los Amantes de Rene Magritte

Viernes Artisticos: hoy “Los Amantes” de Rene Magritte.

Los miembros de esta pareja son anónimos, el uno desconoce la verdadera identidad del otro. Magritte nos presenta una pregunta interesante: hasta que punto vemos y conocemos a nuestra pareja, hasta que punto el otro es una construcción de nuestra percepción y de nuestro deseo. Quizas Julio Cortazar escribio la mejor frase que puede describir esta obra en su novela Rayuela "Como no sabías disimular, me di cuenta en seguida de que para verte como yo quería era necesario empezar por cerrar los ojos."

El anonimato de los amantes alude también a la perdida de identidad individual (y a la construccion de una identidad compartida) de aquellos que estan en pareja.

Esta obra, junto con otras de Magritte, se encuentra en el Museum of Modern Art de New York. Si van a ese museo caminen un par de cuadras hasta Tourneau y comprense un reloj como este

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La Tormenta de Edvard Munch

“La Tormenta” de Edvard Munch.

En “La Tormenta” Munch nos presenta con una alegoría a la necesidad de explorar lo desconocido, y a las fuerzas que nos mueven a exponernos al peligro potencial. La tormenta que se avecina representa la amenaza palpable del futuro, la casa (lo cotidiano, lo que conocemos y es nuestro) nos brinda protección. La mujer de blanco, que se aleja del grupo, corta con lo cotidiano y se expone a lo desconocido, mientras el resto del grupo permanece estático, horrorizado por las acciones de quien da la espalda a la seguridad de lo cotidiano y va en busca de su destino.

Aquellos que han hecho algo que representa un giro de 180 grados en su vida (los que han emigrado por ejemplo), se sentirán identificados con el personaje de blanco y verán en el grupo ciertas similitudes con los amigos o familiares que juzgaban lo incierto de sus planes con aprehensión.

Esta pintura contiene un elemento característico del cuadro mas famoso de Munch, El Grito. Nótese que los personajes en este cuadro tienen las manos al costado de la cara en la misma posición que el personaje central de El Grito. En la pintura de Munch, el futuro (sea la perpetuación de lo cotidiano o lo incierto), la existencia misma, es una fuente de ansiedad.

Si andan por New York, la pueden ver en el Museum of Modern Art. Si van a ese museo, van a encontrar una larga lista de obras maestras de otros autores.

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El Viento del Oeste de Tom Thomson

Viernes Artisticos: hoy “El Viento del Oeste” de Tom Thomson.

Uno de los grandes pintores Canadienses, interesado primordialmente en los paisajes de la región de Ontario (los grandes lagos), Thomson capturo la esencia de la belleza natural que caracteriza a una buena parte de Canada.

El “viento del oeste” nos presenta con los primeros efectos de una tormenta que se acerca, el agua agitada, el árbol en movimiento. El lugar es posiblemente el lago Cauchon, en el extremo norte del parque Algonquin. Esta pintura fue encontrada en el estudio de Thomson después de su tragica muerte (se ahogo en un lago en Canada), y es con certeza la última obra en la que trabajo.

En mi opinion, en la vision de Thomson ese árbol nos representa a nosotros mismos, a la merced de las fueras que se avecinan y se desatan a nuestro alrededor, resistiendo.

Si andan por Toronto, lo pueden ver en la Art Gallery of Ontario.

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Pilas de Granos de Claude Monet

Viernes Artisticos: hoy "Pilas de Granos" de Claude Monet.

El pintor realizo un total de 25 pinturas con el motivo de pilas de granos en diferentes perspectivas, composiciones y graduaciones de luz. Esta serie de pinturas representan un gran paso para los impresionistas, ya que Monet, experimentando con luz, niebla y otras condiciones estableció un nuevo estilo que captura la forma en que la luz y el medio ambiente afectan y modifican al objeto y su entorno.

La primera de estas pinturas se encuentra en el Metropolitan Museum of Art en New York. Hay muchas otras de estas obras repartidas por el mundo. Más fotos aqui

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“El Coloso” de Francisco de Goya

Viernes Artisticos: hoy “El Coloso” de Francisco de Goya.

En esta pintura de 1808 la escena esta dominada por el gigante, el coloso, que en actitud agresiva arrasa con lo que encuentra en su camino. Al pie del coloso, el pueblo (campesinos y su ganado) huyen despavoridos.

Esta pintura es de la época en la que Napoleon avanzaba sobre Europa. El coloso es Napoleon y su ejercito. Las montañas, los Pirineos (frontera entre España y Francia). El pueblo, los españoles, una sociedad mayormente rural, indefensa ante el poder de semejante amenaza.

Si pasan por Madrid, la pueden ver en el museo del Prado donde van a encontrar otras tantas obras, incluyendo Las Meninas, de Diego Velázquez (la pueden ver aquí)

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La Tempestad de Giorgione

Viernes Artisticos: hoy “La Tempestad” de Giorgione.

Se han escrito libros que tratan de explicar y descifrar el significado de esta pintura de 1508. Si bien es conocida como "La Tempestad", en su momento Giorgione no le dio titulo. En mi opinión el tema es una alegoría a las multiples formas en que los seres humanos somos protegidos y buscamos condiciones que nos dan seguridad y nos resguardan.

La madre cuidando del hijo, el soldado cuidando a los ciudadanos, la ciudad en el fondo brindando protección de los elementos, animales y otros humanos, son formas en que nos protegemos del medio ambiente y de amenazas de todo tipo.

Si pasan por Venecia, la pueden encontrar en la Galleria dell'Accademia. Si van a esa Galeria no se pierdan los trabajos de Veronese, Lotto, y principalmente el Hombre de Vitruvio de Leonardo Da Vinci (pueden verlo aquí)

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“Primavera” de Sandro Botticelli

Viernes Artisticos: hoy “Primavera” de Sandro Botticelli.

Un clásico de los clásicos. Esta pintura es una alegoría a las fuerzas que se desatan con la llegada de la primavera.

La figura central es Venus, la diosa del amor, pero la acción esta en los acontecimientos que la rodean. Las tres figuras femeninas a la izquierda (las tres gracias) son centrales en esta composición, particularmente la que mira al hombre en la izquierda (Mercurio) mientras Cupido le apunta con su flecha. Esta alegoría a la atracción entre los sexos es uno de los elementos que Botticelli relaciona con la llegada de la primavera.

Otra parte de la accion ocurre a la derecha, donde el dios de los vientos, Zephyr, tuerce los arboles con su fuerza y se lleva a una de las ninfas (Cloris), que luego se convertira en Flora (la mujer embarazada a la derecha de Venus). Flora es una de las fuerzas centrales de la primavera.

Un dato interesante, expertos han identificado 500 variedades de flores y plantas en esta pintura.


Si andan por Florencia la pueden ver en la galería Uffizi, donde este cuadro se encuentra con otros clásicos de Botticelli, Michelangelo y tantos otros.

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“La Niña Enferma” de Edvard Munch

Viernes Artisticos: hoy “La Niña Enferma” de Edvard Munch.

Esta pintura es sumamente trágica y emocional. La escena presenta a una niña convaleciente y su madre, agobiada por la tragedia de la gravedad de la enfermedad y el triste final de la vida de su hija que pronto se avecina.

En mi opinión, el gesto central que domina la escena es la expresión y postura de la niña, que de alguna manera pareciera intentar consolar a la madre en su desesperación. Seguramente los que son padres y madres sabrán entender muchos de estos sentimientos. No es necesario haber tenido un hijo gravemente enfermo para saber la angustia que se vive durante el proceso de convalecencia de un niño.

Si andan por Oslo, Noruega, la van a encontrar en la galería nacional. Despues de ver este cuadro compensen el sabor amargo que les dejara con la belleza de los paisajes de Johan Christian Dahl, algunos están aquí

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“Boda de campesinos” de Pieter Bruegel

Viernes Artisticos: hoy “Boda de campesinos” de Pieter Bruegel (el mayor).

Esta pintura de 1567 muestra una escena de la vida cotidiana del campesinado a través del festejo de un casamiento. Es importante tener en cuenta que en general, en esa época, la mayor parte de las pinturas tenían como objeto a nobles o escenas religiosas o mitológicas.

La escena en este cuadro es la comida durante el festejo de un casamiento. El que la comida sea una sopa de avena muestra el nivel de carencia del campesinado. La avidez con la cual algunos personajes esperan su racion o comen es penosa.

La mirada del pintor es critica de la situación social del campesinado en esa época. La extrema sencillez del granero, la comida, las ropas, muestran un ámbito de carencia.

Si andan por Viena la van a encontrar en el museo Kunsthistorisches. Una obra relacionada, del mismo autor, es “El Baile de la Boda de Campesinos” que pueden ver aquí. Esta última se encuentra en la galería de arte de Detroit.

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“La Multitud Iluminada” de Raymond Mason

Viernes Artisticos: hoy una escultura, “La Multitud Iluminada” de Raymond Mason. Esta obra muestra las diversas reacciones que una nueva idea, ideología o descubrimiento (o un futuro distinto) genera en diferentes personas.

La escultura incluye 65 individuos de cerca de 1.50m cada uno. Algunos miran hacia el futuro con confianza, interpretando “lo nuevo” como una oportunidad; otros reaccionan con miedo; otros con violencia; otros con desesperación; algunos se esconden; otros reaccionan volcándose a lo religioso o místico; otros renuevan sus sentimientos por su pareja; algunos conspiran; otros ven lo nuevo con inocencia o esperanza.

Esta escultura se encuentra en la calle, en pleno centro de Montreal. En el numero 1981 rue McGill College, en la entradad del edificio de BNP Paribas/Banque Laurentienne. Las fotos las tomo vuestro servidor.

Si andan por esa zona cenen en House of Jazz, en Rue Aylmer y Avenue du President Kennedy. Vean el site del restaurante aquí.

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“Casa (o torre) de Cartas” de Zinaida Serebriakova.

Viernes Artisticos: hoy “Casa (o torre) de Cartas” de Zinaida Serebriakova.

Esta pintura hace referencia a la fragilidad de nuestra situación familiar y económica cuando la realidad a nuestro alrededor cambia rápidamente. Los cuatro niños son los hijos de la pintora, que en esta obra de 1919 acababan de perder a su padre a manos de los bolcheviques durante la revolución rusa, un evento que cambio radicalmente las reglas del juego en ese pais.

Casa de Cartas es una pintura acerca de ese tipo de proceso de cambio y como los niños, si bien intuyen y perciben a su manera la realidad, en muchas ocasiones ignoran hasta que punto sus circunstancias actuales son frágiles y pasajeras.

Si andan por Rusia, van a encontrar este cuadro en St. Petersburg en el Museo Estatal de Rusia. Si van a ese museo, vean a la vuelta de la esquila la Iglesia del Salvador Sobre la Sangre Derramada, es monumental. Foto aquí

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